1- “Siempre me relacioné más con la guitarra que con la gente”.
2- “Cuando tenía 20 años no me importaba nada la composición de la canción. Sólo quería hacer todo el ruido posible, tocar rápido y a todo volumen”.
3- “Amo todo lo que odio y odio todo lo que amo sin distinción: mi guitarra, mi música, mi banda y hasta mi mujer”.
4- “Pasarse el tiempo tocando escalas con rapidez es bastante fácil. Es mucho más difícil bajar la velocidad y simplemente sostener una nota”. 5- “Dicen que soy una leyenda y no sé si sentirme bien o mal... Por lo general ese término se refiere a personas muertas”.
* Lars Ulrich (Metallica): “En 1985 tuve la suerte de encontrar tanto a Darrell como a su hermano en un viaje que hicimos a Dallas. Nos hicimos amigos muy pronto, ellos eran los tipos más divertidos que habíamos encontrado después de entrecruzar los estados durante tres meses. Era el principio de una amistad que fue anclada en amor, respeto, diversión, escándalos, música, bebida, sudor, noches, mañanas tempranas, resacas, dolores de cabeza, tímpanos rotos, cuerpos doloridos... y la lista continúa”.
* Mark Morton (Lamb of God): “La música de Dimebag era una influencia enorme para mí y para Lamb of God. Como guitarrista era innovador y verdadero. Tenía un estilo único y sus riff son constantemente aclamados en casi cada grupo de metal, incluso en Lamb of God”.
* Marty Friedman: “Conocí a Darrell a partir de meses de gira juntos. Él era un grande de la guitarra, realmente mucho mejor que para tocar la clase de música que él tocaba. Aunque su imagen era la de un maníaco salvaje que se divierte, su habilidad siempre estuvo llena de clase y delicadeza”.
* Rob zombie: “Durante mucho tiempo, White zombie y Pantera salimos de gira juntos, así que yo tenía el placer de mirar a Darrell tocar con Pantera. Para aquellos que nunca lo vieron, él era sin una duda el guitarrista más dinámico en el planeta. Una leyenda”. * Tony Iommi (Black Sabbath): “Dimebag era un tipo genuino realmente agradable y un gran guitarrista. Siempre era muy respetuoso conmigo y resultaba encantador tenerlo de viaje con nosotros”.
* Jonathan Davis (Korn): “En los años 80, francamente, yo estaba más en la música bailable y el new romantic. Pero el disco ‘Vulgar display of power’ abrió mis ojos totalmente a una clase más tradicional de metal. Esto me hizo decir, quiero estar en un grupo como Pantera. Me convertí en un admirador enorme de Pantera, sobre todo con lo que Darrell hizo. Él fue uno de los últimos grandes guitarristas del metal”.
* Mike Portnoy (The Winery Dogs): “Dimebag era un talento increíble. Él vivió cada día al máximo. De hecho, nunca pude entender como él podía funcionar así, con el modo en que se divirtió y vivió la vida”. * Kirk Windstein (Crowbar): “Puedo decir francamente que con Dimebag pase algunos de los momentos más felices de mi vida. Realmente lo respeté como persona, y, por supuesto, como héroe de la guitarra. Me siento realmente afortunado de haber sido capaz de conocerlo personalmente, de viajar con Pantera, de sentarme allí con él y mirarlo hacer lo que muy pocos pueden hacer en una guitarra”.
* Corey Taylor (Slipknot): “Dimebag era la clase de tipo con el cual podes estar durante dos segundos y sentir que lo conocés de toda la vida”. * Matt Heafy (Trivium): “Darrell era uno de los músicos más influyentes en nuestro tiempo. Era una leyenda que realmente hizo al mundo parecer mucho mejor. Él era un hombre que ayudó a inspirar a innumerables guitarristas, admiradores, y la gente en general, incluso a mí”.
1. Ozzy, cuarto hijo del matrimonio de John y Lillian Osbourne, mostró un incipiente interés por participar en musicales escolares como el "H.M.S. Pinafore".
2. Cuando fue grabada por vez primera en 1972, “Changes” causó una amplia controversia entre los aficionados a la banda por ser una balada. Curiosamente, treinta años después, alcanzó el Nº1 en la lista de éxitos del Reino Unido gracias a la nueva versión grabada por Ozzy como un dueto con su hija Kelly.
3. La carrera de Ozzy en solitario estuvo a punto de comenzar cinco años antes de lo esperado. En 1978, Ozzy dejó temporalmente Black Sabbath para ensayar con tres miembros de Necromandus -olvidados precursores del doom británico- como la primera formación del “Blizzard of Ozz”.
4. Quién recomendó a Dio como reemplazo a Ozzy Osbourne no fue otro que Sharon Arden, hija del iracundo mánager de la Electric Light Orchestra, Don Arden, y más conocida como Sharon Osbourne.
5. Randy Rhoads fue reclutado gracias a la ayuda de la futura bajista de Slaughter, Dana Strum.
6. Randy Rhoads ni siquiera era fan de Black Sabbath. Casi toda su inspiración provenía de la escena del glam inglés, en especial, del fabuloso guitarrista Mick Ronson, por aquel entonces guitarrista de David Bowie.
7. Aunque no acreditado por ello, Don Airey escribió y tocó la introducción de teclado de “Mr. Crowley”.
8. Durante su primera gira por los Estados Unidos, Motörhead fueron los teloneros de Ozzy Osbourne. Pero cuando ambas bandas regresaron a Inglaterra, el cartel se invirtió, convirtiéndose Ozzy en el telonero de Lemmy y sus huestes.
9. ¿Alguna vez te preguntaste qué significaban las siglas de la enigmática “S.A.T.O.”? Nada, en realidad. Son una combinación de las iniciales de las dos mujeres más importantes en la vida de Ozzy en aquel entonces, su mánager Sharon Arden, y su esposa Thelma Osbourne.
10. Las misteriosas runas escritas en el folleto interior del vinilo original de “Diary of a Madman” rezaban simplemente The Ozzy Osbourne Band.
11. Por su parte, las runas de la contraportada del “Speak of the Devil”, entre otras cosas, escondían un emotivo mensaje: “Ése chico era mi salvavidas, ¿sabes? Era un músico dinámico, pero preferiría no hablar de ello porque es un sentimiento que me consume todos los días de mi vida. Descansa en paz Randy Rhoads”.
12. Ozzy y Madonna coincidieron en una ocasión, contribuyendo con sus voces en la canción “Shake Your Head (Let's Go to Bed)” por la banda Was (Not Was).
13. El misterioso mensaje subliminal al inicio de “Bloodbath in Paradise” - Your mother sells whelks in Hull (Tu madre vende caracoles de mar en el infierno) - es una parodia de una célebre frase de “El Exorcista”.
14. Ozzy contribuyó con su voz a la canción de Gary Moore, “Led Clones”. Ambos eran amigos desde mucho tiempo y estuvieron a punto de colaborar en numerosas ocasiones.
15. En 1994, Ozzy contrató a Steve Vai como su nuevo guitarrista. Aunque finalmente su colaboración se limitó a dos canciones: “Dyin' Day” en el disco de Vai “Fire Garden” y “My Little Man” en Ozzmosis.
16. Un año después, Ozzy reclutó a Joe Holmes cuando Zakk Wylde se pensó demasiado lo de unirse a Guns n Roses.
17. La primera colaboración entre Ozzy y Robert Trujillo, bajista actual de Metallica, no fue en “Down to Earth”, sino en la canción de Infectious Grooves de 1991, “'Therapy?'”.
18. Gus G, actual guitarrista de Ozzy, nació en Grecia bajo el nombre de Kostas Karamitroudis (Κωνσταντίνος Καραμητρούδης).
19. En 2010, casi 40 años después de que Rick Wakeman tocase en “Sabbath Bloody Sabbath”, su hijo Adam comenzó a trabajar con Ozzy en “Scream”.
20. El lapso de 43 años que separó las dos apariciones de Black Sabbath en el Top de las listas del Reino Unido - "Paranoid" en 1970 y "13" en 2013 - rompió el récord anterior de Bob Dylan de 39 años.
Woody Allen, nacido Allan Stewart Königsberg el 1º de diciembre de 1935, esto es, hace 80 años, es un célebre director, guionista, actor, músico y escritor judío y neoyorquino. Aquí van 50 cosas que (probablemente) no sabías de sus películas..
1. “Midnight in Paris” (2011) fue la primera película de Woody Allen en superar los 100 millones de taquilla mundial.
2. Inicialmente, el argumento de “Annie Hall” (1977) iba a girar en torno a un asesinato, pero la idea se desechó. Se utilizaría más tarde en “Misterioso asesinato en Manhattan” (1993).
3. “Bananas” (1971) fue la tercera película dirigida por Woody Allen, y la primera en la que tuvo todo el control creativo.
4. En cierta medida, “Bananas” está inspirada en “El Quijote” de Cervantes. De hecho, el título original de la película iba a ser “Don Quixote U.S.A”.
5. La primera película en la que se utilizó la tipografía “Windsor Light Condensed“, característica de los títulos de crédito de las películas de Woody Allen, fue “Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar” (1972).
6. Para Woody Allen, su frase favorita de la película “Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar” es: “¿Por qué algunas mujeres tienen problemas para llegar al orgasmo?”.
7- “Interiores” (1978) supuso la primera película dirigida por Woody Allen en la que no aparecía como actor.
8. En “Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar” Woody Allen interpreta a cuatro personajes: un espermatozoide, Fabrizio, el idiota y Victor Shakapopulis.
9. Cate Blanchett y Sally Hawkings fueron los únicos miembros del reparto que tuvieron el guión completo durante el rodaje de “Blue Jasmine” (2013). Otra curiosidad: es la primera y única película de Woody Allen en la que los dos personajes americanos son interpretados por actrices/actores no-americanos (Cate Blanchett es australiana y Sally Hawkings es británica).
10. Woody Allen consideró hacer de “El Dormilón” (1973) una “película moderna muda“, donde la gente del futuro tiene prohibido hablar.
11. El director Joel Schumacher fue el diseñador de vestuario de “Interiores” (1978).
12. Todo el material filmado de “El Dormilón” (1973) ocupaba 35 horas, que acabaron editándose (en una película de 90 minutos) dos días antes de su estreno.
13. Con “La última noche de Boris Grushenko” (1975), que fue filmada principalmente en Hungría, con algunas escenas en París, Woody Allen no volvería a rodar fuera de Nueva York hasta 1996 con “Todos dicen I love you” (1996)
14. Woody Allen estaba tan preocupado por la calidad de la comida de Budapest que durante el rodaje de “La última noche de Boris Grushenko” (1975) solo consumió comida enlatada y agua embotellada que se llevó de Estados Unidos. Gracias a esto, fue uno de los pocos miembros del equipo que no sufrió de disentería.
15. Owen Wilson afirmó que la primera vez que vio y habló con Woody Allen fue cuando llegó a Francia para empezar a rodar “Midnight in Paris” (2011).
16. Para “Interiores” (1978), Woody Allen pensó el personaje de Eve (Geraldine Page) para que lo interpretara Ingrid Bergman. Le ofreció el papel a la actriz, pero ésta rechazó aparecer en la película y decidió rodar “Autumn Sonata” (1978) con Ingmar Bergman. Ambas actrices fueron nominadas al Oscar, pero perdieron contra Jane Fonda (que ganó la estatuilla por “El Regreso”).
17. La primera película dramática de Woody Allen fue “Interiores” (1978). Woody Allen era conocido por hacer comedia, y quiso cambiar de registro con una película sin ningún tipo de humor.
18. Fue Diane Keaton quien propuso el título de “Interiores” (1978) a Woody Allen.
19. “Recuerdos de una estrella” (1980) fue la última película de Woody Allen para United Artists. Tres ejecutivos de la empresa formaron Orion Pictures Corporation, que ganó fama tras producir las películas de Woody Allen en la siguiente década, además de producir películas como “Terminator”, “El Silencio de los inocentes” o “Danza con lobos”.
20. Woody Allen escribió el guión de “La comedia sexual de una noche de verano” (1982) en apenas dos semanas.
21. “Bananas” (1971) ocupa el puesto número 69 en el ranking del American Film Institute “100 años… 100 risas”.
22. La localización de rodaje de “La comedia sexual de una noche de verano” (1982) fue Pocantico Hills, en el estado de Nueva York.
23. Para recrear el aspecto de los años 30 en “Zelig” (1983), DuArt, el laboratorio encargado de procesar la película, llamó a un par de técnicos que estaban retirados y que eran expertos en procesar imágenes de esa época.
24. “Zelig” (1983) fue uno de los dos filmes de Woody Allen en los que aparecía la actriz Stephanie Farrow, hermana de Mia Farrow. El segundo fue “La rosa púrpura del Cairo” (1985).
25. En una entrevista para la revista Belga, Viggo Mortensen afirmó sentirse muy orgulloso de haber participado con un pequeño papel en “La rosa púrpura del Cairo” (1985) en una etapa difícil de su vida. Cuando, orgulloso, llevó a su familia al cine para ver la película, descubrió que todas sus escenas habían sido eliminadas del montaje final y acabó decepcionado.
26. Jeff Daniels reemplazó a Michael Keaton en el papel masculino principal de “La rosa púrpura del Cairo” (1985). En un principio, Keaton fue el elegido y e incluso rodó durante diez días, pero a Woody Allen le parecía que era demasiado contemporáneo para el papel, a pesar de su buena interpretación.
27. Woody Allen ha dicho más de una vez que “La rosa púrpura del Cairo” (1985) es su película favorita de todas las que ha dirigido. Aunque también lo ha dicho de “Match Point” (2005).
28. Woody Allen quiso que “Annie Hall” (1977) se llamara “Anhedonia” (que significa inhabilidad de sentir placer), pero tuvo que cambiarle el título a la película porque no era suficientemente atractivo.
29. “Annie Hall” (1977) supuso el debut cinematográfico de la actriz Sigourney Weaver, en un pequeño papel como una cita del personaje de Alvy, al final de la película.
30. Woody Allen dijo que escribió “Hannah y sus hermanas” (1986) después de leer “Anna Karenina“.
31. Muchas de las escenas de “Hannah y sus hermanas” (1986) fueron rodadas en el apartamento de Mia Farrow.
32. “La comedia sexual de una noche de verano” (1982) está basada en “Sonrisas de una noche de verano” (1955) de Ingmar Bergman.
33. En “Hannah y sus hermanas” (1986), Maureen O’Sullivan interpreta a la madre de Mia Farrow, su hija en la vida real.
34. Diane Keaton ganó el Oscar a mejor actriz, y Woody Allen ganó el Oscar a mejor director y mejor guión por “Annie Hall” (1977).
35. La música de George Gershwin en “Manhattan” (1979) está interpretada por la Orquesta Filarmónica de Nueva York dirigida por Zubin Mehta y por la Orquesta Filarmónica de Búfalo dirigida por Michael Tilson Thomas.
36. En una entrevista publicada en 2007, Woody Allen declaró que “El Dormilón” es principalmente un homenaje a dos cómicos a quien admiraba profundamente: Benny Hill y Bob Hope.
37. “Manhattan” (1979) fue un éxito de crítica y público, pero es una película que no gustó nada a Woody Allen. Al ver el montaje final se sintió tan decepcionado que fue a pedir a la productora que eliminaran la película y le dejasen hacer una nueva de forma gratuita.
38. El póster de “Midnight in Paris” (2011) incluye una parte del famoso cuadro de Vincent Van Gogh: “La Noche estrellada”. Sin embargo, el personaje de van Gogh no aparece en la película.
39. Kate Winslet fue la elegida para representar el papel protagonista en “Match Point” (2005), pero después de llegar a un acuerdo volvió a hablar con Woody Allen para renunciar debido a que quería pasar más tiempo con su familia.
40. Originalmente, el guión de “Match Point” (2005) presentaba la acción en Nueva York, pero una oferta financiera de la BBC orientó el proyecto a Reino Unido. Fue la primera película de Woody Allen rodada íntegramente en el Reino Unido.
41. El personaje de Tracey en “Manhattan” (1979) se basa en una novia de 16 años que tuvo Woody Allen siendo adulto. La chica se llamaba Stacey Nelkin y asegura que no poseía la calidez que Mariel Hemingway otorgó a su personaje.
42. Drew Barrymore fue la única actriz a la que le doblaron en los números musicales en “Todos dicen I love you” (1996) tras asegurar que cantaba tan mal que no se atrevía ni a hacerlo en la ducha.
43. “El Dormilón” (1973) contiene varios momentos de parodia a películas de ciencia ficción, sobre todo a HG Wells y George Orwell. Otra parodia directa fue el doblaje del actor Douglas Rain (la voz de HAL 9000 en “2001: Una odisea en el espacio” (1969)) para poner voz a un robot malvado.
44. Los autores del tema central de “Vicky, Cristina, Barcelona” (2008), el grupo barcelonés Giulia y los Tellarini, dejaron en la recepción del Hotel Arts (dónde se hospedó Allen durante el rodaje) un CD con sus temas y, para su sorpresa, no sólo Allen aceptó el disco, si no que lo escuchó y le gustó. Por eso decidió convertirlo en el tema principal de la banda sonora.
45. El reparto principal de “La rosa púrpura del Cairo” (1985), Jeff Daniels, Mia Farrow y Danny Aiello, aparecen en otra película de Woody Allen: “Días de radio” (1987).
46. En “Zelig” (1983), el material rodado solo era de 45 minutos, por lo que Woody Allen tuvo que incluir material de archivo y algunas escenas para añadir tiempo a la película (la mayoría escenas con voz en off).
47. “Midnight in Paris” (2011) abrió el Festival de Cannes de 2011, convirtiéndose en la segunda película de Woody Allen que recibe este honor, tras “Un final Made in Hollywood” (2002)
48. Woody Allen intentó rodar “Midnight in Paris” (2011) en Paris en el 2006, pero abandonó el proyecto porque era demasiado costoso.
49. Noomie Rapace fue considerada para interpretar el papel de Penélope Cruz en “A Roma con amor” (2012). Además, los actores Aaron Johnson y Robert Pattinson audicionaron para el papel de Jesse Eisenberg.
50. Suzy Benzinger, la diseñadora de vestuario de “Blue Jasmine” (2013), tuvo un presupuesto de 35 mil dólares. Solo el bolso Hermés que lleva Jasmine valía más que todo el presupuesto de vestuario de la película. El bolso fue prestado, así como la mayoría de vestidos.
El prestigioso director/guionista/actor/productor estadounidense Martin Scorsese celebra hoy su cumpleaños 73. Aquí va una lista con 40 detalles acerca de su vida y obra cinematográfica..
1. Los padres de Scorsese, Charles y Catherine, han aparecido en sus películas incluyendo su primer largometraje-, “¿Quién llama a mi puerta”, “Toro salvaje”, “Buenos muchachos” y “Casino”.
2. Scorsese era un niño enfermizo. Su familia lo llevaba al cine para que se divirtiera, y allí comenzó su pasión por el séptimo arte.
3. El director casi se unió al sacerdocio. “Entré en el seminario después de la escuela primaria, pero me echaron al final de mi primer año por hacer el tonto durante las oraciones. Pensaban que yo era un matón”, reveló una vez. Los temas católicos han influido mucho en su obra.
4. Estaba casado con la actriz Isabella Rossellini de “Terciopelo Azul”. 5. El director es un gran fan de las viejas películas de terror de la Hammer, aunque no trabajó con su amigo e icono de la Hammer Christopher Lee hasta “La invención de Hugo”, en 2011.
6. Tenemos que agradecer al director de “Doble cuerpo” y “Blow out”, Brian De Palma, por presentar a Scorsese a su frecuente colaborador, Robert De Niro.
7. Marty enseñó al director Oliver Stone en la Escuela Tisch de las Artes, en la Universidad de Nueva York. Fue instructor de la clase de Sight and Sound de Stone (un curso introductorio de producción). “Era sólo un new yorker despeinado, de habla rápida y apasionado por el cine”, dijo Stone del cineasta. Scorsese también enseñó a Spike Lee.
8. Scorsese fue el director y editor asistente en el documental “Woodstock” de 1970, la crónica del legendario festival de música de 1969.
9. Marty trabajó en la33ª y última película de Elvis, “Elvis on tour”, en 1972.
10. John Hinckley, Jr., que intentó asesinar al presidente Ronald Reagan en 1981, culpó al filme “Taxi driver” de Scorsese de su crimen. Estaba tan obsesionado con el personaje de la prostituta menor de edad de Jodie Foster que llegó a acosar a la actriz. Hinckley pensó que el tiroteo impresionaría a la estrella y llamaría su atención.
11. Al director le ofrecieron originalmente el papel de Charles Manson en la película para TV de 1976 “Helter skelter”, pero lo rechazó.
12. “Taxi driver” ganó la prestigiosa Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1976, pero la película no se llevó a casa ningún premio de la Academia, a pesar de haber sido nominado en cuatro categorías.
13. El fracaso de taquilla del “New York, New York” de Scorsese, protagonizada por Robert De Niro y Liza Minnelli como dos artistas en una relación difícil, lo llevó a una profunda depresión. En ese momento, él también estaba luchando contra una adicción a la cocaína. Cuando estaba en Cannes en 1978, Scorsese no pudo encontrar nada de coca, por lo que tomó un jet privado a París, en un intento desesperado por comprar un poco.
14. Robert De Niro animó a Scorsese a dejar la adicción después de que el director estuvo a punto de morir de una hemorragia interna debido a una interacción medicamentosa. Fue entonces cuando De Niro se le acercó con el libro “Raging bull: My story”, las memorias de Jake LaMotta. De Niro había tratado de empezar una película en torno a la historia años antes.
15. Marty dirigió un episodio de la antología de la televisión de Steven Spielberg, “Cuentos asombrosos”, en 1986. "Mirror mirror" sigue a un novelista de terror que no cree en lo sobrenatural hasta que se empieza a ver una figura inquietante cuando se mira en un espejo.
16. Durante la realización de “La última tentación de Cristo” de Scorsese, el cineasta prohibió fumar en el set. Era debido a su asma, pero también para preservar la integridad de sus personajes bíblicos para la prensa. El Jesús de Willem Dafoe sosteniendo un cigarrillo habría causado demasiado alboroto.
17. El reparto original de “La última tentación de Cristo” incluye a Aidan Quinn como Jesús, a Sting como Poncio Pilatos, a Ray Davies como Judas Iscariote, y a Vanity como María Magdalena.
18. Scorsese interpretó al pintor Vincent van Gogh en la película de realismo mágico de Akira Kurosawa, “Dreams”.
19. Se puede ver a Scorsese en su película de 1995, “Casino”, como jugador en una de las mesas.
20. Hubo una serie de actrices propuestas para el papel de Ginger en “Casino” (interpretado por Sharon Stone), la buscavidas inestable casada con un jefe de la mafia (Joe Pesci), incluyendo a Madonna y Traci Lords.
21. Martin Scorsese no permite el acceso de extraños a los platós cuando dirige a Robert De Niro.
22. Steven Spielberg casi dirigió “Cabo de miedo”, pero recomendó a Marty para el trabajo.
23. El director tiene buenos recuerdos del club nocturno Copacabana, en Nueva York, que aparece en “Buenos muchachos”. Visitó el club la noche de su fiesta de promoción.
24. Scorsese es tan obsesivamente detallista que cada día hacía el lazo de la corbata de Ray Liotta en “Buenos muchachos” para asegurarse de que su estilo era el justo.
25. El último perro de Scorsese, un bichon frise llamado Zoe, acostumbraba a sentarse en su regazo mientras él dirigía sus películas.
26. Es un cineasta amante de la música que lleva un iPod a todas partes.
27. Scorsese es una de las pocas docenas de personas que tienen prohibido entrar en el Tibet. Disney discutió con las autoridades chinas sobre la restricción por el rodaje de la película del director de 1997, “Kundun”.
28. Es extremadamente supersticioso y tiene una fobia con el número 11. Le daba ansiedad durante la década de 1970. Solía evitar todo lo que tuviera que ver con el número, incluyendo un viaje el día 11 de noviembre, o alojarse en el piso 11 de un hotel.
29. Scorsese proyecta películas para su hija adolescente Francesca y sus amigos todos los sábados.
30. Casi hizo una película sobre el comediante Richard Pryor. Hubiera estado basada en la autobiografía del actor de 1995, “Pryor convictions: And other life sentences”. Damon Wayans fue elegido como Pryor, pero el proyecto se vino abajo.
31. Admirador del dúo de cineastas Michael Powell y Emeric Pressburger, no es ninguna sorpresa que un joven Marty alquilara “Los cuentos de Hoffmann” de forma regular en su videoclub local. Sin que Scorsese lo supiera, otro cineasta en ciernes estaba alquilando obsesivamente la misma película: George Romero.
32. “Duelo al sol” de King Vidor (1946), que trata sobre una joven mestiza que vive con su familia anglosajona, fue la primera película que Scorsese vio. Tenía sólo cuatro años. 33. Le encanta el programa de televisión “Fawlty towers”.
34. En “Taxi driver”, Scorsese aparece como pasajero angustiado en la cabina de Travis Bickle, que agonizaba por matar a su esposa infiel. Se había fijado a otro actor para el papel, pero ese día estaba enfermo.
35. Martin Scorsese trabajó como director periodístico de la cadena de televisión CBS después de graduarse en la NYU.
36. Ben Kingsley basa su caracterización del cineasta pionero Georges Méliès en “La invención de Hugo” en Martin Scorsese (quien tiene un cameo en la película como fotógrafo).
37. Rechazó la oferta de Steven Spielberg para dirigir “La lista de Schindler”. Creía que un cineasta judío sería una elección más adecuada.
38. Scorsese tiene dos pesares: no leer más cuando era más joven y nunca aprender a cocinar.
39. Él dirigió el videoclip de “Bad”, de Michael Jackson.
40. Marty dibuja sus propios storyboards.
Un 7 de noviembre de 1995, se lanzó oficialmente el tercer disco de Alice In Chains, que en un principio se iba a llamar "Tripod", pero luego, simplemente quedó como un álbum homónimo. “Alice In Chains” debutó en el número 1 del los chart de la Billboard en los Estados Unidos. La banda optó por no hacer tour promocional, lo cual aumentó bastante los rumores sobre abuso de drogas y conflictos internos. Respaldado por la popularidad que estaba adquiriendo este nuevo trabajo, el grupo decidió salir de este “ojo del huracán” haciendo un gran regreso a los escenarios: el mítico show Unplugged para MTV en 1996.
El álbum tiene grandes canciones, y quizás es lo más oscuro que jamás ha creado Alice in Chains, llevando a la banda a un nuevo nivel artístico en su estilo. Incluso las letras son bastante ácidas, enfermizas o macabras. Se nota que hay un estado de ánimo especial, una rabia contenida.
Tema x tema
"Grind", la canción que abre el disco “Alice In Chains”, es una formulación de principios. Es demoledora, pesada y oscura. A propósito, Jerry Cantrell señala: "Es muy directo. En este álbum hay muchas declaraciones bastante literales."
En "Brush away", Layne se luce con su voz, al igual que la guitarra de Cantrell, con un gran solo. Es una canción viciosa. Otra vez, Cantrell aporta: "El solo está al revés. Me llevó tres tomas hacerlo. No estaba seguro de cuando entrar, así que se puede oír el acople al final, es decir, donde yo empiezo a tocar. Pero finalmente quedó perfecto. Layne también tocó un poco en este tema."
En “Sludge factory” sobresale Layne Staley, con su voz y su letra, describiendo su infierno.
Esta canción contiene múltiples "saludos" a esas "fábricas de lodo": a esos supuestos amigos y al sello discográfico de la época: Sony Music. Está última parte, se refiere al llamado de felicitaciones que recibió Layne, cuando grababan el disco, por el éxito de ventas del álbum "Above" de Mad Season (disco de oro). Luego de la felicitación, el personaje de Sony le dijo: "Ah, y a propósito, tienen 9 días para terminar de grabar el álbum". Luego viene "Heaven beside you", canción con la cual se rompe un poco el esquema que se escucha hasta ahora. Es Jerry Cantrell quien se hace cargo de la voz principal de su canción, haciendo dúo vocal con Layne. Trata sobre sus sentimientos por la ruptura de la relación con su novia de 7 años. Dice cosas que nunca le dijo a ella.
Al respecto, el guitarrista declara: “Esa canción es sobre mí. Y está dedicada a mi ex-novia. Yo estuve saliendo con ella durante unos años. Es todo sobre mí tratando de ser una persona monógama, que nunca lo había sido. Llegué a un punto en donde me sentí ahogado y terminamos, y eso sería todo. Tuve que parar. Así que la canción se trata de patearme a mí mismo por ser tan idiota con ella. Yo la amo a muerte y para siempre, pero simplemente no era saludable para nosotros estar juntos”.
"Head creeps" es malvada. Se nota la distorsión en la voz de Layne en ciertos pasajes de la canción. Cantrell tiene gran culpa en que esto suene tan pesado y malvado. Se refiere a una constante sensación de malestar, de miedo, que llega a asustar.
"Again" es sin duda es uno de los puntos altos del disco. Y viene a refrendar un poco todo lo que se dijo en "Grind". Jerry señaló sobre esta gran canción: "Yo tenía el riff para esta canción y una idea para la parte vocal, y entonces a Layne se le ocurrió algo muchísimo mejor así que decidí tirar lo mío directo a la basura. "
Con "Shame in you", nuevamente hay un quiebre, en cuanto al ritmo, pero la temática es igualmente oscura. Layne Staley muestra todo su poder vocal en esta canción en esta triste canción.
"God am" es una frustración personal de Layne con Dios, con un ser superior que es poderoso, pero que es inexistente. Además, pareciera que en vez de "God Am", dijera "Goddamn" ("maldición").
"So close" es una gran y demencial canción. Sobre ésta, Cantrell apuntó: "Fue el último tema que editamos. No le habíamos dedicado mucho tiempo, al final recién lo hicimos y estábamos exhaustos, muy cansados. Pero lo habíamos escuchado toda una semana y decidimos agregarlo. Sólo necesitaba la letra."
"Nothin' song" es una canción arrastrada, con una guitarra muy pesada. La letra surgió del apremio de tener lista las canciones lo antes posible. La música ya estaba casi terminada por completo, pero la letra no, lo cual era tarea de Layne. Y eso cuenta esta canción, la rutina de escribir esta canción bajo esa presión. Así lo contó Layne Staley, en una entrevista de Revolver Magazine: "Se las mostré cinco horas después de que la banda la practicara sin letras, y ellos me gritaron y los dejé. Pero regrese y estuve hasta altas horas de la noche. Al final, todas las canciones fueron terminadas".
"Frogs" es la composición más larga de todo el catálogo de Alice in Chains, con 8 minutos 18 segundos. Se trata de un tema muy oscuro. Cantrell aporta: "Es la obra maestra del álbum. Es totalmente épica. El ritmo fue creado en la primera toma, y fue uno de los primeros que decidimos conservar. Ni nos dimos cuenta de cuan larga era hasta que terminamos de mezclarla. Todos pensamos: ‘¿Ocho minutos? No puede ser’. No se sentía así de extensa, lo cual es bueno."
El cierre del álbum llega de la mano de “Over now”, que nació en la cabeza de Cantrell y al igual que "Heaven beside you", se trata sobre el término de su relación sentimental y sus sentimientos al respecto. Fue compuesta por primera vez para una afinación de guitarras distintas (la afinación de "Re abierto"), lo cual le da una melodía muy especial a esta canción.
Luca Prodan (17 de mayo de 1953 – 22 de diciembre de 1987)
1- “Hay una fama sobre los músicos, muchos shows, mucha guita, muchas minas y encima lloran. Cuando terminás un recital no te queda energía para nada, lo único que deseás es estar solo o con tus amigos o con tu mina. Los que hicimos Sumo no lo hicimos para coger más minas ni para hacernos un viaje a Brasil. Nos rompimos el culo durante cuatro años”. 2- “Pienso que el reggae es una boludez. Al principio me gustó, pero después me di cuenta de que no eran de verdad. La mayoría de esos que se dicen rastas son unos ladrones... unos hijos de una gran puta... ¡Quieren volver a Etiopía! Andá a Etiopía, se están cagando de hambre. Murieron dos millones en los últimos años y esos idiotas de Jamaica quieren volver a Etiopía, están locos. Encima todas los rastas tratan re mal a sus mujeres. La mujer es totalmente sometida. Tiene que tener un turbante, no se puede soltar el pelo, tiene que tener polleras por los tobillos, tiene que estar con el nene en la cocina mientras los hombres se la pasan bailando, fumándose 80.000 porros y cagándose de risa… Váyanse a la mierda!”.
3- “Dicen que el poder corrompe, pero hay que ver siempre quien es el que llega al poder, a tener poder. Quizá no es que lo corrompió el poder. sino que siempre estuvo corrompido. A mí me gusta tener para poder dedicarme a mí mismo, me gustan los 120 australes que gano por fin de semana porque puedo comprarme las revistas que quiero o comer las cosas que me gustan. Claro, dicen que soy el líder de Sumo y pareciera que tengo mi dosis de poder con todas las nenas gritándome, pero no es cierto. Mi vida no ha cambiado ni va a cambiar porque gane más plata o porque un montón de idiotas me griten ‘Luca, Luca’ cuando me ven”. 4- “Ahora no escucho casi nada. Todo ese pop electrónico con máquinas no me dice nada. Me gustó Paul Simon, que tiene talento. Como John Lennon que desde ‘She loves you’ hasta la última canción es buena. Ahora los aparatos electrónicos hacen que cualquier boludo venga y haga un tema. Pero músicos de verdad... Por ejemplo, si vos sentás a Gustavo Cerati y al de Virus, Federico Moura.. Les das una guitarra y les decís: ‘bueno, pelate un blues, pelá algo que me llene..’. Y no sale nada. Te hablo de gente importante... o si agarrás a Daniel Melero, y le decís que toque cualquier cosa, una canzoneta italiana aunque sea, no importa mientras la toque bien... y no sale nada”.
5- “Yo no llegué a eso de no salir de mi casa, ni siquiera tengo una casa. Viajo en subte y en colectivo porque nunca voy a tener coche, voy a morir sin tener un coche, siento mucho miedo a los automóviles. Claro, ahora tengo fans que se pelean por un pedacito de cualquier cosa que les tire desde el escenario. Yo ya fui un gran fan de Led Zeppelin o Pink Floyd. Pero era un fan sereno, curtía por dentro mi admiración".
A la vez que se desempeñaba como tecladista ocasional en Rush (grabó en algunas canciones de los discos “2112”, “Permanent waves” y “Moving pictures”), el canadiense Hugh Syme comenzó a forjarse un nombre como artista vinculado al rock y el metal. Fue así como a mediados de la década del 70, empezó a idear las tapas para Rush desde el álbum “Caress of steel”, llegando incluso a diseñar el famoso logotipo de la banda. Sin abandoner a Rush (realizó las tapas de la mayoría de sus discos), durante los años 80, su labor se extendió a grupos de renombre como Virgin Steele (“Noble savage”), Quiet Riot (“QR III”, “QR”), Outlaws (“Soldiers of fortune”), Whitesnake (“Whitesnake”, “Slip of the tongue”), Kingdom Come (“Kingdom come”, “In your face”), Lillian Axe (“Lillian Axe”), Night Ranger (“Man in motion”), Survivor (“Too hot to sleep”), Bon Jovi (“New Jersey”), Bad English (“Bad English”), Fates Warning (“Perfect symmetry”) y Bonfire (“Point blank”), entre otros.
Ya en la década del 90, Syme dejó su impronta en álbumes de bandas como Slaughter (“Stick it to ya”), Warrant (“Cherry pie”), Great White (“Hooked”), House of Lords (“Demons down”), Megadeth (“Countdown to extinction”, “Youthanasia”, “Cryptic writings”), Impelliteri (“Grin and bear it”), Aerosmith (“Get a grip”), Def Leppard (“Retro active”), Coverdale/Page (“Coverdale/Page”), Queenrsÿche (“Promise land”, “Hear in the now frontier”), Iron Maiden (“The X factor”), Alice Cooper (“A fistful of Alice”), Supertramp (“Some things never change”) y Arena (“The visitor”).
En los últimos 15 años, el canadiense diseñó portadas para The Allman Brothers Band (“Hittin’ the note”), Tiles (“Window dressing”, “Fly paper”), Dream Theater (“Octavarium”, “Systematic chaos”, “Black clouds and silver linings”, “A dramatic turn of events”, “Dream Theater”), Nevermore (“This godless endeavor”), “Stone Sour (“Come whatever may”) y Flying Colors (“Second nature”), por mencionar algunos.
Para conocer más sobre el artista: www.hughsyme.com/test.html
Johnny Ramone (8 de octubre de 1951 – 15 de septiembre de 2004)
* Grupo anterior: Tangerine Puppets.
* Cantante favorito: Elvis Presley.
* Oficios anteriores: Delincuente juvenil y obrero de la construcción.
* Hobbies: Ver baseball (era fanático de los Yankees), coleccionar autógrafos de famosos, las remeras de dibujos animados.
* Películas favoritas: “The bride of Frankenstein” y “The mummy”.
* Recital favorito: New York Dolls.
* Color favorito: Blanco y negro.
1- “No creo que nuestro objetivo sea sorprender a nuestros seguidores, sino hacerlos felices. La sorpresa es que nuestro último álbum es tan repugnante como el que editamos hace 10 años o más repugnante todavía”. 2- “Parece como que las bandas tienen siempre la obligación de cambiar, pero aparte de Los Beatles, ninguna cambió para mejor. Por lo general las bandas cambian para peor, porque se aburren o porque se olvidan para qué salieron al ruedo. Nosotros tratamos siempre de tener en mente qué es lo que quieren los fans, lo que ellos piensan que es bueno y malo. No lo que los críticos o la gente alrededor nuestro piensa, porque a ellos les interesa una mierda lo que nos pasa”.
3- “Pienso que de cierta manera uno tiene que cuidar su imagen. ¿Qué pensaría un fan de los Ramones si me viera llevando la bolsa del almacén? El problema es que a veces me cuesta hacérselo entender a mi novia y no quiere llevarla”.
4- “Una verdadera banda tiene que tener una imagen grupal y una actitud al salir al escenario. Nada de subir, afinar, hacer algunos acordes y hablar pavadas desde el micrófono. No me banco esa boludez artificial de querer hacer participar al público diciendo: ‘¿Están bien?’ o cualquier otra de las estupideces usuales. También detesto cuando una banda hace sus viejos temas en una forma distinta a la original. Nosotros tocamos nuestros viejos temas en la misma forma que siempre, a lo sumo ahora los hacemos más rápido para que no digan que estamos viejos”. 5- “Siempre me gustó decidir sobre mi propia vida y siempre odié a la gente que me dice qué hacer”.
1986 fue un año en que el thrash estaba rindiendo sus mejores frutos. Si echamos un vistazo en retrospectiva recordemos que fue el año en que Metallica lanza una de sus grandes obras maestras como “Master of puppets” y un año antes Exodus sorprendió al mundo con el devastador “Bonded by blood”, un álbum que a estas alturas es considerado como el extracto puro de lo que este género representó a mediados de los ochenta.
Y si bien Slayer ya había dado un gran golpe de cátedra en el estilo con su álbum de 1985 “Hell awaits” o con el EP de 1984 “Haunting the chapel”, fue el clásico “Reign in Blood” (editado hace exactamente 29 años) el que los consolidó como uno de los principales referentes del movimiento, haciendo un álbum de thrash verdaderamente impactante, de un linaje agresivo, directo, nutrido de una oscuridad realmente siniestra en sus letras y que logró que no pasara mucho tiempo desde su lanzamiento para que causara el delirio de las hordas de fans del metal que cayeron rendidos a sus pies.
“Reign in blood” estuvo marcado por una de las sociedades que más han perdurado en el género entre banda y productor, pues es el -ya a esta altura- reconocido y exitoso productor Rick Rubin sería quien los reclutaría en su sello que llevaba poco de haberse fundado: hablamos de Def Jam Records, sello insigne de los ’90’s no sólo para Slayer, sino que para muchas bandas del circuito del rock y el metal durante esa década.
El disco, claramente nutrido de una lírica oscura, tachada de satánica por muchos sectores, no sólo iba a ser controvertido por esas temáticas que eran parte del concepto de Slayer, y que bien habían sido patentadas en “Hell awaits”, sino que también en esta oportunidad Slayer puso en el tapete el tema del holocausto, principalmente en esa inconmensurable muestra de riffs y poder de la apertura: “Angel of death”, el tema que más que nada daba a conocer acerca del “carnicero” alemán Josef
Mengele y sus abominables prácticas con los experimentos con los cuerpos de los niños judíos en los campos de concentración de Auschwitz en la época de la Segunda Guerra Mundial, tema que a través de los años Slayer ha tenido que defender justamente replicando aquello: contar la historia de uno de los personajes más siniestros de la historia, sin adularlo ni celebrar sus acciones. Por lo demás, las temáticas que han caracterizado a Slayer de alguna forma sopesarían lo que todo el mundo puso en tela de juicio en algún momento, acá había canciones que daban cuenta de la violencia, los asesinatos en serie, o el cuestionamiento de las religiones entre muchos otros tópicos, sin ser absolutamente necesario recurrir a la adoración del diablo en sus letras directamente. Slayer se confrontaba a sí mismo con las críticas de sectores religiosos pero también tuvo fundamentos en donde apoyarse para demostrar lo contrario.
La mano de Rick Rubin fue de vital importancia, el sonido un poco sucio de sus anteriores placas quedó de lado en pos de una absoluta recarga de poder, en que de algunas forma sonaban más limpios, lo cual no quitaba lo incendiario y devastador del álbum, fue una nueva etapa en que Slayer gracias al trabajo de Rubin estaba redefiniendo su propio estilo, desmarcándose de la media sónica de aquellos años y solventando un sonido que los vería llegar al trono de honor de las bandas del género.
Las canciones hablan por sí solas, dejando fuera la atropelladora “Angel of death”, aparecieron temas que ya son piezas clásicas de la banda de este vital registro hecho por estos cuatro músicos infernales: “Piece by piece”, “Criminally insane” o “Necrophobic”, donde la rapidez en la ejecución y la perfecta sincronización entre la demoledora impronta en la batería de un sólido Dave Lombardo conjugado con los más asesinos riffs sin tregua de Kerry King y Jeff Hanneman, aunarían todo este ambiente incendiario y brutal, como pocos vistos hasta la fecha.
Los riffs de canciones como “Postmortem” o “Raining blood” de alguna forma fueron más elaborados que lo hecho hasta la fecha, pero empataban con el concepto del álbum de forma perfecta, es un disco donde no sobra ni falta nada, si bien hay canciones que fueron sobresalientes, no hay ninguna que se quede corta.
Fueron canciones de tiempos cortos, directas, en su poca duración cada una entregaba mucho. Había tiempo para brutales marchas, la inclusión de esos oscurísimos solos de guitarra pareciesen que
viniesen del mismísimo infierno. Slayer en un poco más de 30 minutos dejaba las cosas claras y, dicho sea de paso, se matriculó con una de las obras más influyentes del estilo. El propio Kerry King ha dejado claro que es una obra que se separa un poco del resto de la discografía de Slayer y que volver a repetir algo parecido es prácticamente imposible.
Es la vulgar demostración de poder de Slayer, no es para nada raro que le hayan dedicado años más tarde un DVD completo llamado “Still reigning” (2004), donde tocaron el álbum en su integridad y también no es raro que muchas canciones de su repertorio actual en sus actuaciones en directo sean de este álbum. Una obra maestra del thrash en su néctar más puritano, que desata la más bestial de las furias y que sigue siendo un referente para las nuevas generaciones del metal.
Discípulo indiscutible de Frank Frazetta (célebre por sus diseños para las series “Mad Max”, “Flash Gordon” o “Conan, el Bárbaro”), Ken Kelly (nacido en mayo de 1946 en Connecticut), es un artista estadounidense estrechamente ligado con la fantasía heroica.
Con más de 30 años de trayectoria, sus pinturas giran en torno a vikingos, brujas, doncellas y dragones, retratando –al mismo tiempo– paisajes exóticos, lugares encantados y campos de batallas primarios.
En la década del 70 hizo un par de ilustraciones para la tapa de la revista “El castillo de Frankenstein”. Luego trabajó para otras publicaciones, como “Conan, el Bárbaro” y “Tarzán”.
Sus pinturas para el heavy metal abarcan a bandas tan diversas como Manowar (“Fighting the world”, “Louder than hell”, “Gods of war” y “The lord of steel”), Rainbow (“Rising”), Kiss (“Destroyer”, “Love gun”, “Destroyer: Resurrected”) y Alabama Thunderpussy (“Open fire”).
Kelly también ilustró la portada de “Space invader”, el sexto album solista de Ace Frehley.
Hace exactamente 29 años se editaba “Somewhere in time”, el sexto álbum de estudio de Iron Maiden. La portada del disco, diseñada por Derek Riggs, contiene numerosas alusiones a otras canciones de la Doncella de Hierro. Aquí, un recorrido por los 8 temas que componen esta gran obra.
1. “Caught somewhere in time”
Esta canción se inspiró de alguna manera en la película “Time after time” (“Tiempo después del tiempo”) de 1979. En esta cinta, HG Wells –el célebre autor de ciencia ficción– inventa una máquina del tiempo y persigue al famoso criminal Jack El Destripador. La letra es sobre alguien que al parecer es tentado a vender su alma, aunque lo que se ofrece a cambio no parece estar claro.
2. “Wasted years”
Se trata de una advertencia para apreciar el presente y no tomar las cosas como algo sin importancia.
3. “Sea of madness”
Podría referirse a alguien que se desliza lentamente hacia la locura, aunque la letra es bastante ambigua. Es una especie de metáfora de la situación actual de la humanidad, aunque se puede argumentar que las cosas siempre han sido así desde los albores de la humanidad y que lamentablemente, seguirán siendo de esta manera. Fuegos ardiendo, la gente llorando, y el personaje que describe todo esto simplemente da la espalda y se va.
4. “Heaven can wait”
Relata la emocionante experiencia de un sujeto que está muy cercano a la muerte, en la cual sale de su cuerpo y se ve a sí mismo, al igual que al túnel con la luz al final. La canción es una reflexión al hecho de estar preparado para la muerte.
5. “The loneliness of the long distance runner”
Está basada en el cuento de Alan Sillitoe, que también fue llevado al cine en 1962, con el mismo nombre. Trata sobre un joven delincuente que desafía al guardia del centro de detención juvenil a una carrera que espera ganar. Las autoridades locales esperan ganar algo de prestigio con la carrera, pero el joven es consciente de que está siendo manipulado y, al mismo tiempo que se está ejecutando.
6. “Stranger in a strange land”
El título de la canción es una reminiscencia de la novela de Robert Heinlein del mismo nombre, así como del puerto espacial de “Star wars”. La letra habla sobre un explorador ártico que muere y se congela en el hielo. Después de cien años su cuerpo es encontrado preservado por otros exploradores. Adrian Smith se inspiró en una conversación que tuvo con un explorador (que terminó por convertirse en un fan de Iron Maiden) que había tenido una experiencia similar con un cuerpo congelado.
7. “Deja-vu”
La canción describe la sensación de déja-vu, que es la extraña sensación que a veces consigue de haber experimentado ya, la misma situación.
8. “Alexander the great”
Es otra de las grandes canciones épicas e históricas de Iron Maiden. En este tema se detalla la historia del genio militar Alejandro Magno (356-323 aC), quien conquistó el imperio persa y puede ser el único general en la historia de nunca perdió una sola batalla.
Hace exactamente 43 años, Black Sabbath continuaba cimentando las bases de la música pesada con el lanzamiento de “Vol. 4”, uno de los tantos picos altos de su extensa discografía. Si bien es cierto que los seis primeros álbumes de la Bruja Negra son de escucha obligatoria, considero que esta cuarta entrega tiene a Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward en su máximo esplendor, algo que se percibe en cada una de las 10 canciones registradas: “Wheels of confusion”, “Tomorrows dreams”, “Changes”, “FX”, “Supernaut”, “Snowblind”, “Cornucopia”, “Laguna sunrise”, “St. Vitus dance” y “Under the sun”.
Aunque carece de “éxitos” inmediatos como “Paranoid”, “War pigs”, “Children of the grave” o “Iron man”, “Vol. 4” se caracteriza por ser una obra exquisita de punta a punta.
En algo más de 40 minutos, Sabbath te pasea por diferentes paisajes sonoros, siempre cubiertos por ese manto de oscuridad y densidad que con el tiempo se transformaría en su marca registrada y sería tomado como influencia por cientos de bandas. Incluso su portada fue imitada en más de una oportunidad, tal como hicieron Sleep o Pantera. Entrevistado hace un par de años en el programa de radio norteamericano “In the studio: The stories behind history’s greatest rock bands”, Ozzy Osbourne confesó que “Vol. 4” fue producido en una época muy dura para Black Sabbath. “Lo que pasó conmigo y la banda fue que, en un principio todos teníamos un propósito, pero mientras avanzamos, esa cosa inevitable llamado ego apareció. El hecho es que el éxito te cambia. Me afectó. Yo estaba lleno de cocaína. Esa cosa te hace hablar la mayor cantidad de mierda. No debía de haber ningún problema más en el mundo, ‘porque todo lo resolvíamos en el baño de un hotel con una bolsa de ese polvo blanco.’”
Fernando
Las Ruedas de la Confusión
Hace tiempo vagaba con mi imaginación
por la tierra de los cuentos de hadas.
Loco de felicidad no sabía lo que era el miedo.
La inocencia y el amor era lo único que conocía.
Era una ilusión.
Pronto, los días fueron convirtiéndose en años.
La felicidad no llegaba tan fácilmente.
La vida era algo más que cuentos de hadas y fantasía.
La inocencia era sólo otra palabra.
Era una ilusión.
Perdido en las ruedas de la confusión.
Atravesando valles de lágrimas.
Los ojos llenos de rabia y desilusión.
Me ocultaba en el temor cotidiano.
Así descubrí que la vida es sólo un juego
en el que nunca ha habido un ganador.
Pones todo tu empeño, sólo para ser un perdedor.
El mundo seguirá girando cuando te hayas ido. Sí, ¡cuando te hayas ido!
1- “Al sistema hay que usarlo como mejor nos convenga”.
2- “La música debe ayudar a toda esa chatarra que conocemos como sociedad británica. La música tiene que mostrar salidas para vencer el estancamiento. Tiene que ser sincera, pero también tiene que ser una broma. Y eso no es política”.
3- “No hay nada glorioso en morir. Cualquiera puede hacerlo”.
4- “Los sistemas educativos funcionan terriblemente mal. Te roban el alma. Te lavan el cerebro. No dejan que tengas una opinión diferente a la suya”.
5- “Cada vez que veo a Bono (U2) con gafas de moscas grandes y pantalones ajustados de cuero, no lo puedo tolerar. No puedo ver cómo soluciona los problemas del mundo. Él está aplastando sus testículos en pantalones ajustados por la paz mundial”.
“Ese rollo del amor está distorsionado”, dice Ozzy Osbourne, vocalista fundador de Black Sabbath. “Una semana te enamorás y a la siguiente te desenamorás y empezás a drogarte”. Geezer Butler, bajista y letrista de la banda, hace memoria: “La música que hacíamos en 1970 era el reflejo de lo que pensábamos y experimentábamos entonces. No tenía que ver con la droga, porque compartíamos algún porro pero no teníamos dinero ni para comprar alcohol. Pero no vivíamos el flower power ni las buenas vibraciones. El movimiento hippy era una mierda para nosotros; de donde veníamos, todo era triste y oscuro”.
Los Sabbath (Osbourne, Butler, el baterista Bill Ward y el guitarrista Tony Iommi) eran cuatro veinteañeros, supervivientes desencantados con sus trabajos en fábricas de Birmingham, Inglaterra. Cuenta la leyenda que Ozzy asistió a la grabación de su primer disco (“Black Sabbath”, 1970) descalzo por no poder costearse unos zapatos nuevos. Pero su debut, registrado del tirón en apenas dos días, levantó expectativas en Estados Unidos y su compañía de discos empujó al grupo de nuevo al estudio sólo cuatro meses después. Así, desde la urgencia y los sentimientos más primarios, se concebiría su obra cumbre: “Paranoid”. El álbum tenía previsto llamarse “War pigs” (Cerdos de la guerra, en castellano), como la canción que lo abre, un quebrantahuesos antibelicista de casi ocho minutos. Su sello trajo la portada, una de las más feas de la historia del rock, la del tipo vestido de rosa con un casco y un sable en la mano. “Para empezar, la portada es horrible”, confiesa Butler. “No nos gustaba, pero era idea de la compañía y tuvimos que aguantarnos. Ya era muy mala para un disco llamado ‘War pigs’, pero luego acabó siendo ‘Paranoid’ y ya ni siquiera tenía sentido”.
En efecto, debido a la controversia surgida con la guerra de Vietnam y para no meterse en berenjenales, su compañía, Vertigo, decidía in extremis cambiar el nombre al álbum por el del último tema grabado, el que más les gustaba. Recuerda Bill Ward: “No teníamos suficientes canciones y nos pidieron una más. Tony Iommi empezó a tocar los acordes de ‘Paranoid’ y todos lo seguimos. Nos llevó 20 o 25 minutos terminarla”.
El tema, el más directo (casi punk) y conciso (por tanto, el menos representativo) de cuantos hubiesen facturado los Sabbath en su corta historia, se ganó los corazoncitos de los ejecutivos discográficos y fue promocionado como primer single, tirando del disco hasta lo más alto de la lista británica. “Paranoid” se convirtió en un clásico casi al instante y, en una muestra de delirio sin parangón, hasta fue interpretada por Ozzy Osbourne y Tony Iommi, con Phil Collins de batería, en el 50º aniversario de la coronación de la reina Isabel II de Inglaterra, en 2002.
El rock contenido en el segundo disco de Black Sabbath no es precisamente aristocrático, pero tampoco satánico, como algunos creen. Más bien, una colección de poemas desencantados, versos simplones pero que, declamados por el afectado Osbourne, surtían un efecto demoledor y conmovían sin remedio a los jóvenes a ambos lados del Atlántico.
“Paranoid”, el disco, habla de guerra, angustia, alienación, desconexión, droga, frustración… Ahí, el antecedente de Nirvana y el grunge. Y, sobre todo ello, un halo de novela de ciencia ficción que lo impregna todo. Para muestra, “Iron man”, otro de los himnos, que sugiere el drama de un hombre de acero que viene del futuro y se venga de la humanidad por haber hecho de él lo que es.
“Paranoid” se publicó el 18 de septiembre de 1970; el mismo día que dijo adiós Jimi Hendrix. Vejado hasta la humillación por la crítica musical durante los primeros años 70, aquel disco es considerado hoy el gran padre del género heavy, instaurando unos cuantos de sus ingredientes fundamentales con los acordes categóricos de guitarra de Iommi, la imaginería futurista e inadaptada de Butler, el melodrama de Osbourne y los mamporrazos limpios y técnicos, como puntos de sutura, de Ward.
(Fuente: Rolling Stone)
Tema x tema
* “War pigs”: Es junto con "Paranoid" e "Iron man", uno de los máximos exponentes sonoros del álbum y de la propia discografía de Black Sabbath. El tema lanza durísimas críticas hacia la guerra de Vietnam, los militares y los políticos, calificándolos como bien dice el título de la canción de "cerdos de la guerra".
* “Paranoid”: La canción nos traslada con su frenético riff a la desesperación existencial de un enfermo mental. Como dato interesante figura la similitud del riff de "Paranoid" con el de "Dazed and confused" de Led Zeppelin (de su LP debut "Led Zeppelin").
* “Planet caravan”: Es una relajada y psicodélica composición donde Ozzy Osbourne muestra su voz más dulce y melancólica. * “Iron man”: Tema en cuyas letras se refleja la historia de un hombre que, viendo el fin de la humanidad, viaja al pasado para salvarla. En su viaje a través del campo magnético, se convierte en Iron Man, perdiendo el habla y el movimiento. Cuando quiere advertir a la humanidad acerca del desastre, es ignorado, por lo que clama -y consigue- su venganza, desatando el fin que había venido a evitar. El factor clave de esta pieza es sin lugar a dudas su genial y singular riff, uno de los mejores y más conocidos de la historia, que se repite de forma hipnótica. Asimismo es destacable el excelente trabajo en la batería de Bill Ward, que imita con su tan particular estilo el riff de la guitarra.
* “Electric funeral”: Es uno de los temas más siniestros de la discografía de Black Sabbath, donde dibuja un mundo devastado por la guerra nuclear con un excelente trabajo de los cuatro miembros que da como resultado una atmósfera que exhala pesimismo.
* “Hand of doom”: Es la primera canción en la que Black Sabbath trata el tema de la adicción a las drogas. La letra pertenece a Geezer Butler mientras que la música fue escrita por los cuatro miembros. La canción fue concebida después de que la banda había observado un creciente número de soldados estadounidenses que llegan a Inglaterra a finales de 1960 a partir de la guerra de Vietnam con adicción a las drogas graves, a fin de olvidar las atrocidades que vivieron.
* “Rat salad”: Es un breve tema instrumental compuesto para el lucimiento de Tony Iommi y sobre todo del baterista Bill Ward.
* “Fairies wear boots”: Es otra canción con un impecable trabajo del guitarrista Tony Iommi y con una letra que bromea respecto al abuso en el consumo de alucinógenos.
El artista norteamericano Vincent Locke (nacido el 7 de noviembre de 1966 en Detroit) es el autor intelectual y material de cada una de las obras ultra violentas (y en muchos casos, polémicas) que ilustran los álbumes del grupo Cannibal Corpse, uno de los nombres puntales en el mundo del death metal. Su carrera artística comenzó en 1986, ilustrando “Deadworld”, un cómic de horror sobre zombies que pronto se transformaría en un éxito de ventas dentro de la escena under. Desde entonces, su enorme talento ilustrativo ha sido parte de cómics como “The sandman”, “American freak”, “Batman”, “Witchcraft: Le terreur”, “The spectre” y “A history of violence”, la cual años después fue llevada a la pantalla grande (“Una historia violenta”, 2005), filmada y dirigida por David Cronenberg, y protagonizada por los actores Viggo Mortensen, Maria Bello, Ed Harris y William Hurt.
Recientemente terminó un trabajo para la revista de cómic británica 2000 AD, incluyendo una historia del clásico “Judge Dredd”.
Sin embargo, Locke adquirió reconocimiento en todo el mundo con la creación de las ultra violentas pinturas hechas en acuarela para ser usadas como portadas en los discos de Cannibal Corpse. Estas obras han sido censuradas en varios países por la brutalidad de sus imágenes. En algunos sitios, incluso, también está prohibido imprimirlas.
* Tony Iommi (Black Sabbath): “Dimebag era un tipo genuino realmente agradable y un gran guitarrista. Siempre era muy respetuoso conmigo y resultaba encantador tenerlo de viaje con nosotros”.
* Kirk Windstein (Crowbar): “Puedo decir francamente que con Dimebag pase algunos de los momentos más felices de mi vida. Realmente lo respeté como persona, y, por supuesto, como héroe de la guitarra. Me siento realmente afortunado de haber sido capaz de conocerlo personalmente, de viajar con Pantera, de sentarme allí con él y mirarlo hacer lo que muy pocos pueden hacer en una guitarra”.
5. El director es un gran fan de las viejas películas de terror de la Hammer, aunque no trabajó con su amigo e icono de la Hammer Christopher Lee hasta “La invención de Hugo”, en 2011.
33. Le encanta el programa de televisión “Fawlty towers”.
“Alice In Chains” debutó en el número 1 del los chart de la Billboard en los Estados Unidos. La banda optó por no hacer tour promocional, lo cual aumentó bastante los rumores sobre abuso de drogas y conflictos internos. Respaldado por la popularidad que estaba adquiriendo este nuevo trabajo, el grupo decidió salir de este “ojo del huracán” haciendo un gran regreso a los escenarios: el mítico show Unplugged para MTV en 1996.
Luego viene "Heaven beside you", canción con la cual se rompe un poco el esquema que se escucha hasta ahora. Es Jerry Cantrell quien se hace cargo de la voz principal de su canción, haciendo dúo vocal con Layne. Trata sobre sus sentimientos por la ruptura de la relación con su novia de 7 años. Dice cosas que nunca le dijo a ella.
2- “Pienso que el reggae es una boludez. Al principio me gustó, pero después me di cuenta de que no eran de verdad. La mayoría de esos que se dicen rastas son unos ladrones... unos hijos de una gran puta... ¡Quieren volver a Etiopía! Andá a Etiopía, se están cagando de hambre. Murieron dos millones en los últimos años y esos idiotas de Jamaica quieren volver a Etiopía, están locos. Encima todas los rastas tratan re mal a sus mujeres. La mujer es totalmente sometida. Tiene que tener un turbante, no se puede soltar el pelo, tiene que tener polleras por los tobillos, tiene que estar con el nene en la cocina mientras los hombres se la pasan bailando, fumándose 80.000 porros y cagándose de risa… Váyanse a la mierda!”.
4- “Ahora no escucho casi nada. Todo ese pop electrónico con máquinas no me dice nada. Me gustó Paul Simon, que tiene talento. Como John Lennon que desde ‘She loves you’ hasta la última canción es buena. Ahora los aparatos electrónicos hacen que cualquier boludo venga y haga un tema. Pero músicos de verdad... Por ejemplo, si vos sentás a Gustavo Cerati y al de Virus, Federico Moura.. Les das una guitarra y les decís: ‘bueno, pelate un blues, pelá algo que me llene..’. Y no sale nada. Te hablo de gente importante... o si agarrás a Daniel Melero, y le decís que toque cualquier cosa, una canzoneta italiana aunque sea, no importa mientras la toque bien... y no sale nada”.
Sin abandoner a Rush (realizó las tapas de la mayoría de sus discos), durante los años 80, su labor se extendió a grupos de renombre como Virgin Steele (“Noble savage”), Quiet Riot (“QR III”, “QR”), Outlaws (“Soldiers of fortune”), Whitesnake (“Whitesnake”, “Slip of the tongue”), Kingdom Come (“Kingdom come”, “In your face”), Lillian Axe (“Lillian Axe”), Night Ranger (“Man in motion”), Survivor (“Too hot to sleep”), Bon Jovi (“New Jersey”), Bad English (“Bad English”), Fates Warning (“Perfect symmetry”) y Bonfire (“Point blank”), entre otros. 
2- “Parece como que las bandas tienen siempre la obligación de cambiar, pero aparte de Los Beatles, ninguna cambió para mejor. Por lo general las bandas cambian para peor, porque se aburren o porque se olvidan para qué salieron al ruedo. Nosotros tratamos siempre de tener en mente qué es lo que quieren los fans, lo que ellos piensan que es bueno y malo. No lo que los críticos o la gente alrededor nuestro piensa, porque a ellos les interesa una mierda lo que nos pasa”.
En algo más de 40 minutos, Sabbath te pasea por diferentes paisajes sonoros, siempre cubiertos por ese manto de oscuridad y densidad que con el tiempo se transformaría en su marca registrada y sería tomado como influencia por cientos de bandas. Incluso su portada fue imitada en más de una oportunidad, tal como hicieron Sleep o Pantera. Entrevistado hace un par de años en el programa de radio norteamericano “In the studio: The stories behind history’s greatest rock bands”, Ozzy Osbourne confesó que “Vol. 4” fue producido en una época muy dura para Black Sabbath. “Lo que pasó conmigo y la banda fue que, en un principio todos teníamos un propósito, pero mientras avanzamos, esa cosa inevitable llamado ego apareció. El hecho es que el éxito te cambia. Me afectó. Yo estaba lleno de cocaína. Esa cosa te hace hablar la mayor cantidad de mierda. No debía de haber ningún problema más en el mundo, ‘porque todo lo resolvíamos en el baño de un hotel con una bolsa de ese polvo blanco.’”
El álbum tenía previsto llamarse “War pigs” (Cerdos de la guerra, en castellano), como la canción que lo abre, un quebrantahuesos antibelicista de casi ocho minutos. Su sello trajo la portada, una de las más feas de la historia del rock, la del tipo vestido de rosa con un casco y un sable en la mano. “Para empezar, la portada es horrible”, confiesa Butler. “No nos gustaba, pero era idea de la compañía y tuvimos que aguantarnos. Ya era muy mala para un disco llamado ‘War pigs’, pero luego acabó siendo ‘Paranoid’ y ya ni siquiera tenía sentido”.
* “Iron man”: Tema en cuyas letras se refleja la historia de un hombre que, viendo el fin de la humanidad, viaja al pasado para salvarla. En su viaje a través del campo magnético, se convierte en Iron Man, perdiendo el habla y el movimiento. Cuando quiere advertir a la humanidad acerca del desastre, es ignorado, por lo que clama -y consigue- su venganza, desatando el fin que había venido a evitar. El factor clave de esta pieza es sin lugar a dudas su genial y singular riff, uno de los mejores y más conocidos de la historia, que se repite de forma hipnótica. Asimismo es destacable el excelente trabajo en la batería de Bill Ward, que imita con su tan particular estilo el riff de la guitarra.
Su carrera artística comenzó en 1986, ilustrando “Deadworld”, un cómic de horror sobre zombies que pronto se transformaría en un éxito de ventas dentro de la escena under. Desde entonces, su enorme talento ilustrativo ha sido parte de cómics como “The sandman”, “American freak”, “Batman”, “Witchcraft: Le terreur”, “The spectre” y “A history of violence”, la cual años después fue llevada a la pantalla grande (“Una historia violenta”, 2005), filmada y dirigida por David Cronenberg, y protagonizada por los actores Viggo Mortensen, Maria Bello, Ed Harris y William Hurt. 
