Stanley Kubrick (26 de julio de 1928 / 7 de marzo de 1999)
1- “Si puede ser escrito o pensado, puede ser filmado”.
2- “Una película es (o debería ser) como la música. Debe ser una progresión de ánimos y sentimientos. El tema viene detrás de la emoción, el sentido, después”.
3- “Si puedes hablar lo suficientemente brillante sobre un tema darás la impresión de que lo dominas”.
4- “La pantalla es un medio mágico. Tiene tal poder que puede mantener el interés, ya que transmite emociones y estados de ánimo que ninguna otra forma de arte puede transmitir”.
5- “Las grandes naciones han actuado siempre como gánsteres, y las pequeñas, como prostitutas”.
Kubrick x 5
1- “La naranja mecánica” (1971)
2- “El resplandor” (1980)
3- “2001 – Odisea del espacio” (1968)
4- “Senderos de gloria” (1957)
5- “Nacido para matar” (1987)
El prolífico director/guionista/actor/productor/músico y compositor estadounidense Clint Eastwood celebra hoy su cumpleaños número 86. Aquí va una lista con 10 curiosidades sobre su vida y obra..
1- Prenda de la suerte
Su colaboración con Sergio Leone sirvió para ofrecer uno de los personajes más memorables de su carrera: el Hombre sin nombre. Eastwood encarnó a ese enigmático personaje en la Trilogía del dólar, caracterizado siempre con el mismo poncho y al parecer esa prenda no se lavó en el transcurso de las tres películas, por lo que su toque se mantuvo intacto. 2- La silla vacía
En 2012, Clint Eastwood formó parte de la Convención del Partido Republicano, con el objetivo de apoyar al candidato a presidente Mitt Romney. El aporte del actor a la campaña fue un discurso de 12 minutos en el que dialogaba con una silla vacía, la cual representaba al presidente Obama. Este gesto recibió tanto críticas positivas como negativas, y tuvo una audiencia de cerca de 30 millones de personas. 3- Veterano de la taquilla
Antes de arrasar con “El francotirador” (2014), su película más taquillera era “Gran Torino”, la cual no solo dirigió sino que también protagonizó. Su debut a nivel nacional de 29,48 millones de dólares, convirtió a Eastwood en el protagonista más mayor en edad en conseguir un número uno en la competitiva taquilla estadounidense. 4- Preocupaciones políticas
Además de sus discursos reivindicativos, Eastwood también ha participado activamente en la política, ya que ejerció de alcalde de Carmel-by-the-Sea, una ciudad de California, entre 1986 y 1988. También confesó que había votado a Arnold Schwarzenegger en las dos ocasiones en las que se presentó al cargo de Gobernador de California. 5- Relación infructuosa con DC
En los años 60 estuvo a punto de interpretar a una versión diferente de Harvey Dent o Dos Caras en la serie de “Batman” protagonizada por Adam West, pero los productores vieron que el enfoque era demasiado oscuro. En 1978 tuvo otra oportunidad de formar parte del universo de DC, pero rechazó el papel de “Superman”, que iría a parar a Christopher Reeve.
6- Presidente de Cannes
En 1994 tuvo el honor de estar al frente del jurado del Festival de Cannes, año en el que “Pulp fiction” se alzó con la Palma de Oro. Se recriminó que al ser americano había apoyado a la propuesta de su país, pero Eastwood declaró que la película de Tarantino no era su favorita de la sección oficial, ya que su voto fue a parar a '¡Vivir!' de Zhang Yimou. Mientras que los miembros europeos del jurado prefirieron a la cinta que acabó ganando.
7- En contra de las pruebas
Además de tener fama de ser un director muy eficiente que suele cumplir con los plazos y no se excede con el presupuesto, también es un fuerte defensor de evitar las proyecciones de prueba. El jefe de Warner, Robert Daley, confirmó que de todas las películas realizadas en colaboración con su estudio, ninguna había pasado por ese proceso de prueba. 8- Personajes rechazados
Al ser una estrella de cine en su época dorada fue presa de las incansables ofertas de los estudios. Uno de los roles más conocidos que rechazó fue el de Willard en “Apocalypse now”, que fue interpretado por Martin Sheen. Aunque el más icónico es el de James Bond, ya que no quiso ser el sucesor de Sean Connery al considerar que el agente debía ser interpretado por un británico. 9- Amenaza de muerte
La relación entre Michael Moore y Clint Eastwood no es precisamente buena y no comparten demasiados ideales. En una gala de premios, el veterano actor bromeó con que mataría al documentalista si aparecía en su casa con una cámara, haciendo referencia a la entrevista de Moore a Charlton Heston en “Bowling for Columbine”. Moore se rió junto al resto del público, pero ha mantenido vivo el conflicto con sus recientes comentarios en contra de “El francotirador”.
10- Pianista en potencia
Es un talentoso pianista de jazz autodidacta, interpretando habitualmente la música en sus películas. También ha compuesto piezas musicales para algunos de sus títulos más conocidos, como “Río místico” o “Los imperdonables”. Participó en un concierto en el Carnegie Hall en 1996, que homenajeaba su contribución al mundo del jazz.
(Fuente: www.ecartelera.com)
Eastwood x 5
1- "Río místico" ("Mystic river", 2003) 2- "El bueno, el feo y el malo" ("Il buono, il brutto, il cattivo", 1966) 3- "Bird" ("Bird", 1988) 4- "Harry, el sucio" ("Dirty harry", 1971) 5- "Los imperdonables" ("Unforgiven", 1992)
Woody Allen, nacido Allan Stewart Königsberg el 1º de diciembre de 1935, esto es, hace 80 años, es un célebre director, guionista, actor, músico y escritor judío y neoyorquino. Aquí van 50 cosas que (probablemente) no sabías de sus películas..
1. “Midnight in Paris” (2011) fue la primera película de Woody Allen en superar los 100 millones de taquilla mundial.
2. Inicialmente, el argumento de “Annie Hall” (1977) iba a girar en torno a un asesinato, pero la idea se desechó. Se utilizaría más tarde en “Misterioso asesinato en Manhattan” (1993).
3. “Bananas” (1971) fue la tercera película dirigida por Woody Allen, y la primera en la que tuvo todo el control creativo.
4. En cierta medida, “Bananas” está inspirada en “El Quijote” de Cervantes. De hecho, el título original de la película iba a ser “Don Quixote U.S.A”.
5. La primera película en la que se utilizó la tipografía “Windsor Light Condensed“, característica de los títulos de crédito de las películas de Woody Allen, fue “Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar” (1972).
6. Para Woody Allen, su frase favorita de la película “Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar” es: “¿Por qué algunas mujeres tienen problemas para llegar al orgasmo?”.
7- “Interiores” (1978) supuso la primera película dirigida por Woody Allen en la que no aparecía como actor.
8. En “Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar” Woody Allen interpreta a cuatro personajes: un espermatozoide, Fabrizio, el idiota y Victor Shakapopulis.
9. Cate Blanchett y Sally Hawkings fueron los únicos miembros del reparto que tuvieron el guión completo durante el rodaje de “Blue Jasmine” (2013). Otra curiosidad: es la primera y única película de Woody Allen en la que los dos personajes americanos son interpretados por actrices/actores no-americanos (Cate Blanchett es australiana y Sally Hawkings es británica).
10. Woody Allen consideró hacer de “El Dormilón” (1973) una “película moderna muda“, donde la gente del futuro tiene prohibido hablar.
11. El director Joel Schumacher fue el diseñador de vestuario de “Interiores” (1978).
12. Todo el material filmado de “El Dormilón” (1973) ocupaba 35 horas, que acabaron editándose (en una película de 90 minutos) dos días antes de su estreno.
13. Con “La última noche de Boris Grushenko” (1975), que fue filmada principalmente en Hungría, con algunas escenas en París, Woody Allen no volvería a rodar fuera de Nueva York hasta 1996 con “Todos dicen I love you” (1996)
14. Woody Allen estaba tan preocupado por la calidad de la comida de Budapest que durante el rodaje de “La última noche de Boris Grushenko” (1975) solo consumió comida enlatada y agua embotellada que se llevó de Estados Unidos. Gracias a esto, fue uno de los pocos miembros del equipo que no sufrió de disentería.
15. Owen Wilson afirmó que la primera vez que vio y habló con Woody Allen fue cuando llegó a Francia para empezar a rodar “Midnight in Paris” (2011).
16. Para “Interiores” (1978), Woody Allen pensó el personaje de Eve (Geraldine Page) para que lo interpretara Ingrid Bergman. Le ofreció el papel a la actriz, pero ésta rechazó aparecer en la película y decidió rodar “Autumn Sonata” (1978) con Ingmar Bergman. Ambas actrices fueron nominadas al Oscar, pero perdieron contra Jane Fonda (que ganó la estatuilla por “El Regreso”).
17. La primera película dramática de Woody Allen fue “Interiores” (1978). Woody Allen era conocido por hacer comedia, y quiso cambiar de registro con una película sin ningún tipo de humor.
18. Fue Diane Keaton quien propuso el título de “Interiores” (1978) a Woody Allen.
19. “Recuerdos de una estrella” (1980) fue la última película de Woody Allen para United Artists. Tres ejecutivos de la empresa formaron Orion Pictures Corporation, que ganó fama tras producir las películas de Woody Allen en la siguiente década, además de producir películas como “Terminator”, “El Silencio de los inocentes” o “Danza con lobos”.
20. Woody Allen escribió el guión de “La comedia sexual de una noche de verano” (1982) en apenas dos semanas.
21. “Bananas” (1971) ocupa el puesto número 69 en el ranking del American Film Institute “100 años… 100 risas”.
22. La localización de rodaje de “La comedia sexual de una noche de verano” (1982) fue Pocantico Hills, en el estado de Nueva York.
23. Para recrear el aspecto de los años 30 en “Zelig” (1983), DuArt, el laboratorio encargado de procesar la película, llamó a un par de técnicos que estaban retirados y que eran expertos en procesar imágenes de esa época.
24. “Zelig” (1983) fue uno de los dos filmes de Woody Allen en los que aparecía la actriz Stephanie Farrow, hermana de Mia Farrow. El segundo fue “La rosa púrpura del Cairo” (1985).
25. En una entrevista para la revista Belga, Viggo Mortensen afirmó sentirse muy orgulloso de haber participado con un pequeño papel en “La rosa púrpura del Cairo” (1985) en una etapa difícil de su vida. Cuando, orgulloso, llevó a su familia al cine para ver la película, descubrió que todas sus escenas habían sido eliminadas del montaje final y acabó decepcionado.
26. Jeff Daniels reemplazó a Michael Keaton en el papel masculino principal de “La rosa púrpura del Cairo” (1985). En un principio, Keaton fue el elegido y e incluso rodó durante diez días, pero a Woody Allen le parecía que era demasiado contemporáneo para el papel, a pesar de su buena interpretación.
27. Woody Allen ha dicho más de una vez que “La rosa púrpura del Cairo” (1985) es su película favorita de todas las que ha dirigido. Aunque también lo ha dicho de “Match Point” (2005).
28. Woody Allen quiso que “Annie Hall” (1977) se llamara “Anhedonia” (que significa inhabilidad de sentir placer), pero tuvo que cambiarle el título a la película porque no era suficientemente atractivo.
29. “Annie Hall” (1977) supuso el debut cinematográfico de la actriz Sigourney Weaver, en un pequeño papel como una cita del personaje de Alvy, al final de la película.
30. Woody Allen dijo que escribió “Hannah y sus hermanas” (1986) después de leer “Anna Karenina“.
31. Muchas de las escenas de “Hannah y sus hermanas” (1986) fueron rodadas en el apartamento de Mia Farrow.
32. “La comedia sexual de una noche de verano” (1982) está basada en “Sonrisas de una noche de verano” (1955) de Ingmar Bergman.
33. En “Hannah y sus hermanas” (1986), Maureen O’Sullivan interpreta a la madre de Mia Farrow, su hija en la vida real.
34. Diane Keaton ganó el Oscar a mejor actriz, y Woody Allen ganó el Oscar a mejor director y mejor guión por “Annie Hall” (1977).
35. La música de George Gershwin en “Manhattan” (1979) está interpretada por la Orquesta Filarmónica de Nueva York dirigida por Zubin Mehta y por la Orquesta Filarmónica de Búfalo dirigida por Michael Tilson Thomas.
36. En una entrevista publicada en 2007, Woody Allen declaró que “El Dormilón” es principalmente un homenaje a dos cómicos a quien admiraba profundamente: Benny Hill y Bob Hope.
37. “Manhattan” (1979) fue un éxito de crítica y público, pero es una película que no gustó nada a Woody Allen. Al ver el montaje final se sintió tan decepcionado que fue a pedir a la productora que eliminaran la película y le dejasen hacer una nueva de forma gratuita.
38. El póster de “Midnight in Paris” (2011) incluye una parte del famoso cuadro de Vincent Van Gogh: “La Noche estrellada”. Sin embargo, el personaje de van Gogh no aparece en la película.
39. Kate Winslet fue la elegida para representar el papel protagonista en “Match Point” (2005), pero después de llegar a un acuerdo volvió a hablar con Woody Allen para renunciar debido a que quería pasar más tiempo con su familia.
40. Originalmente, el guión de “Match Point” (2005) presentaba la acción en Nueva York, pero una oferta financiera de la BBC orientó el proyecto a Reino Unido. Fue la primera película de Woody Allen rodada íntegramente en el Reino Unido.
41. El personaje de Tracey en “Manhattan” (1979) se basa en una novia de 16 años que tuvo Woody Allen siendo adulto. La chica se llamaba Stacey Nelkin y asegura que no poseía la calidez que Mariel Hemingway otorgó a su personaje.
42. Drew Barrymore fue la única actriz a la que le doblaron en los números musicales en “Todos dicen I love you” (1996) tras asegurar que cantaba tan mal que no se atrevía ni a hacerlo en la ducha.
43. “El Dormilón” (1973) contiene varios momentos de parodia a películas de ciencia ficción, sobre todo a HG Wells y George Orwell. Otra parodia directa fue el doblaje del actor Douglas Rain (la voz de HAL 9000 en “2001: Una odisea en el espacio” (1969)) para poner voz a un robot malvado.
44. Los autores del tema central de “Vicky, Cristina, Barcelona” (2008), el grupo barcelonés Giulia y los Tellarini, dejaron en la recepción del Hotel Arts (dónde se hospedó Allen durante el rodaje) un CD con sus temas y, para su sorpresa, no sólo Allen aceptó el disco, si no que lo escuchó y le gustó. Por eso decidió convertirlo en el tema principal de la banda sonora.
45. El reparto principal de “La rosa púrpura del Cairo” (1985), Jeff Daniels, Mia Farrow y Danny Aiello, aparecen en otra película de Woody Allen: “Días de radio” (1987).
46. En “Zelig” (1983), el material rodado solo era de 45 minutos, por lo que Woody Allen tuvo que incluir material de archivo y algunas escenas para añadir tiempo a la película (la mayoría escenas con voz en off).
47. “Midnight in Paris” (2011) abrió el Festival de Cannes de 2011, convirtiéndose en la segunda película de Woody Allen que recibe este honor, tras “Un final Made in Hollywood” (2002)
48. Woody Allen intentó rodar “Midnight in Paris” (2011) en Paris en el 2006, pero abandonó el proyecto porque era demasiado costoso.
49. Noomie Rapace fue considerada para interpretar el papel de Penélope Cruz en “A Roma con amor” (2012). Además, los actores Aaron Johnson y Robert Pattinson audicionaron para el papel de Jesse Eisenberg.
50. Suzy Benzinger, la diseñadora de vestuario de “Blue Jasmine” (2013), tuvo un presupuesto de 35 mil dólares. Solo el bolso Hermés que lleva Jasmine valía más que todo el presupuesto de vestuario de la película. El bolso fue prestado, así como la mayoría de vestidos.
El prestigioso director/guionista/actor/productor estadounidense Martin Scorsese celebra hoy su cumpleaños 73. Aquí va una lista con 40 detalles acerca de su vida y obra cinematográfica..
1. Los padres de Scorsese, Charles y Catherine, han aparecido en sus películas incluyendo su primer largometraje-, “¿Quién llama a mi puerta”, “Toro salvaje”, “Buenos muchachos” y “Casino”.
2. Scorsese era un niño enfermizo. Su familia lo llevaba al cine para que se divirtiera, y allí comenzó su pasión por el séptimo arte.
3. El director casi se unió al sacerdocio. “Entré en el seminario después de la escuela primaria, pero me echaron al final de mi primer año por hacer el tonto durante las oraciones. Pensaban que yo era un matón”, reveló una vez. Los temas católicos han influido mucho en su obra.
4. Estaba casado con la actriz Isabella Rossellini de “Terciopelo Azul”. 5. El director es un gran fan de las viejas películas de terror de la Hammer, aunque no trabajó con su amigo e icono de la Hammer Christopher Lee hasta “La invención de Hugo”, en 2011.
6. Tenemos que agradecer al director de “Doble cuerpo” y “Blow out”, Brian De Palma, por presentar a Scorsese a su frecuente colaborador, Robert De Niro.
7. Marty enseñó al director Oliver Stone en la Escuela Tisch de las Artes, en la Universidad de Nueva York. Fue instructor de la clase de Sight and Sound de Stone (un curso introductorio de producción). “Era sólo un new yorker despeinado, de habla rápida y apasionado por el cine”, dijo Stone del cineasta. Scorsese también enseñó a Spike Lee.
8. Scorsese fue el director y editor asistente en el documental “Woodstock” de 1970, la crónica del legendario festival de música de 1969.
9. Marty trabajó en la33ª y última película de Elvis, “Elvis on tour”, en 1972.
10. John Hinckley, Jr., que intentó asesinar al presidente Ronald Reagan en 1981, culpó al filme “Taxi driver” de Scorsese de su crimen. Estaba tan obsesionado con el personaje de la prostituta menor de edad de Jodie Foster que llegó a acosar a la actriz. Hinckley pensó que el tiroteo impresionaría a la estrella y llamaría su atención.
11. Al director le ofrecieron originalmente el papel de Charles Manson en la película para TV de 1976 “Helter skelter”, pero lo rechazó.
12. “Taxi driver” ganó la prestigiosa Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1976, pero la película no se llevó a casa ningún premio de la Academia, a pesar de haber sido nominado en cuatro categorías.
13. El fracaso de taquilla del “New York, New York” de Scorsese, protagonizada por Robert De Niro y Liza Minnelli como dos artistas en una relación difícil, lo llevó a una profunda depresión. En ese momento, él también estaba luchando contra una adicción a la cocaína. Cuando estaba en Cannes en 1978, Scorsese no pudo encontrar nada de coca, por lo que tomó un jet privado a París, en un intento desesperado por comprar un poco.
14. Robert De Niro animó a Scorsese a dejar la adicción después de que el director estuvo a punto de morir de una hemorragia interna debido a una interacción medicamentosa. Fue entonces cuando De Niro se le acercó con el libro “Raging bull: My story”, las memorias de Jake LaMotta. De Niro había tratado de empezar una película en torno a la historia años antes.
15. Marty dirigió un episodio de la antología de la televisión de Steven Spielberg, “Cuentos asombrosos”, en 1986. "Mirror mirror" sigue a un novelista de terror que no cree en lo sobrenatural hasta que se empieza a ver una figura inquietante cuando se mira en un espejo.
16. Durante la realización de “La última tentación de Cristo” de Scorsese, el cineasta prohibió fumar en el set. Era debido a su asma, pero también para preservar la integridad de sus personajes bíblicos para la prensa. El Jesús de Willem Dafoe sosteniendo un cigarrillo habría causado demasiado alboroto.
17. El reparto original de “La última tentación de Cristo” incluye a Aidan Quinn como Jesús, a Sting como Poncio Pilatos, a Ray Davies como Judas Iscariote, y a Vanity como María Magdalena.
18. Scorsese interpretó al pintor Vincent van Gogh en la película de realismo mágico de Akira Kurosawa, “Dreams”.
19. Se puede ver a Scorsese en su película de 1995, “Casino”, como jugador en una de las mesas.
20. Hubo una serie de actrices propuestas para el papel de Ginger en “Casino” (interpretado por Sharon Stone), la buscavidas inestable casada con un jefe de la mafia (Joe Pesci), incluyendo a Madonna y Traci Lords.
21. Martin Scorsese no permite el acceso de extraños a los platós cuando dirige a Robert De Niro.
22. Steven Spielberg casi dirigió “Cabo de miedo”, pero recomendó a Marty para el trabajo.
23. El director tiene buenos recuerdos del club nocturno Copacabana, en Nueva York, que aparece en “Buenos muchachos”. Visitó el club la noche de su fiesta de promoción.
24. Scorsese es tan obsesivamente detallista que cada día hacía el lazo de la corbata de Ray Liotta en “Buenos muchachos” para asegurarse de que su estilo era el justo.
25. El último perro de Scorsese, un bichon frise llamado Zoe, acostumbraba a sentarse en su regazo mientras él dirigía sus películas.
26. Es un cineasta amante de la música que lleva un iPod a todas partes.
27. Scorsese es una de las pocas docenas de personas que tienen prohibido entrar en el Tibet. Disney discutió con las autoridades chinas sobre la restricción por el rodaje de la película del director de 1997, “Kundun”.
28. Es extremadamente supersticioso y tiene una fobia con el número 11. Le daba ansiedad durante la década de 1970. Solía evitar todo lo que tuviera que ver con el número, incluyendo un viaje el día 11 de noviembre, o alojarse en el piso 11 de un hotel.
29. Scorsese proyecta películas para su hija adolescente Francesca y sus amigos todos los sábados.
30. Casi hizo una película sobre el comediante Richard Pryor. Hubiera estado basada en la autobiografía del actor de 1995, “Pryor convictions: And other life sentences”. Damon Wayans fue elegido como Pryor, pero el proyecto se vino abajo.
31. Admirador del dúo de cineastas Michael Powell y Emeric Pressburger, no es ninguna sorpresa que un joven Marty alquilara “Los cuentos de Hoffmann” de forma regular en su videoclub local. Sin que Scorsese lo supiera, otro cineasta en ciernes estaba alquilando obsesivamente la misma película: George Romero.
32. “Duelo al sol” de King Vidor (1946), que trata sobre una joven mestiza que vive con su familia anglosajona, fue la primera película que Scorsese vio. Tenía sólo cuatro años. 33. Le encanta el programa de televisión “Fawlty towers”.
34. En “Taxi driver”, Scorsese aparece como pasajero angustiado en la cabina de Travis Bickle, que agonizaba por matar a su esposa infiel. Se había fijado a otro actor para el papel, pero ese día estaba enfermo.
35. Martin Scorsese trabajó como director periodístico de la cadena de televisión CBS después de graduarse en la NYU.
36. Ben Kingsley basa su caracterización del cineasta pionero Georges Méliès en “La invención de Hugo” en Martin Scorsese (quien tiene un cameo en la película como fotógrafo).
37. Rechazó la oferta de Steven Spielberg para dirigir “La lista de Schindler”. Creía que un cineasta judío sería una elección más adecuada.
38. Scorsese tiene dos pesares: no leer más cuando era más joven y nunca aprender a cocinar.
39. Él dirigió el videoclip de “Bad”, de Michael Jackson.
40. Marty dibuja sus propios storyboards.
Hace 90 años nacía el gran actor británico Peter Sellers (Richard Henry Sellers), quien inició su carrera con el grupo cómico The Goon Show y debutó en el cine en 1951. Se distinguió, sobre todo, como intérprete de comedias. Su trayectoria en la pantalla incluye casi 40 largometrajes.
En 1977, luego de varios ataques al corazón, le implantaron un marcapasos y se tomó un año sabático para relajarse. Pero, no tardó en cambiar de idea y quiso continuar rodando películas. El 21 de julio de 1980 se desplomó en la habitación del lujoso hotel londinense Dorchester y entró en coma. Dos días más tarde, con 54 años, murió en un hospital de la capital británica.
Su infancia
Uno de los detalles más presentes en las biografías de Peter Sellers (incluyendo la película “Llámame Peter”, con Geoffrey Rush en el rol protagónico) es la extrema dependencia que siempre lo unió a su madre, Agnes Sellers. Pero esa relación resulta hasta cierto punto explicable si la miramos más de cerca: hijo de un matrimonio de actores, con una infancia itinerante que fomentó un carácter ya de por sí insociable, Sellers se refugiaba en su progenitora cuando su padre, William, le espetaba frases tales que “tendrás un brillante porvenir como barrendero”.
A la sombra de su hermano
En realidad, Peter Sellers no se llamaba Peter, sino Richard Henry. El nombre con el que sus padres insistían en referirse a él, y con el que se hizo famoso, correspondía a un hermano nacido muerto unos años antes de que él llegase al mundo. Al igual que Philip K. Dick, otro insigne chiflado, Sellers tuvo que aguantar esa presión sobre su psique durante su infancia, su juventud y toda su vida, en general. No es de extrañar, entonces, que saliera con un carácter tan inestable.
¡Que suenen los tambores!
Aunque, siguiendo con la tradición familiar, Peter Sellers cultivase la interpretación desde bien jovencito, la auténtica pasión de sus años mozos no fue el arte dramático, sino la música. Más
concretamente, la batería: Sellers aprendió a tocar bajo la tutela de Joe Daniels, una leyenda del jazz británico, y pronto se reveló como un virtuoso, hasta el punto de ganarse comparaciones con Gene Krupa. Spike Milligan, su compañero artístico en los comienzos de su carrera, afirmaba que, de no habérsele dado tan bien lo de actuar, hubiera podido ganarse la vida como percusionista.
La guerra, en la India
Además de obligarle a dejar los estudios, la II Guerra Mundial tuvo otra consecuencia importante para Peter Sellers: le hizo emprender su primera gira como cómico de escenarios. Fue reclutado a la fuerza con sólo 15 años, pero como su miopía lo volvía poco apto para disparar un arma (y no digamos para pilotar un avión de caza, como pretendían sus superiores), el ejército le destinó al Gang Show, una troupe que entretenía a los soldados en el frente. Durante este período, Sellers fue destinado a Asia, recorriendo India, Ceylán (actual Sri Lanka) y Birmania, una experiencia que le serviría para dotar de verosimilitud a Hrundi V. Bakshi, su personaje de la película “La fiesta inolviable”.
Actividad paranormal
Otro lugar común sobre Peter Sellers es su condición de supersticioso extremo, tan cargado de fobias (su aversión a los colores verde y púrpura era legendaria) como propenso a afirmar que Stan Laurel, Napoleón o Leonardo DaVinci lo poseían (en el sentido espiritual) cuando necesitaba inspiración para un papel. Maurice Woodruff, su astrólogo de cabecera, tenía esto bien presente, y no reparaba en aceptar sobornos a cambio de sugerir a Peter que aceptase tal o cual papel. En cierta ocasión, el vidente advirtió a Peter de que una persona con las iniciales “B. E.” sería muy importante en su vida: por supuesto, el astrólogo se refería al director Blake Edwards, que le había pagado una generosa cantidad. Pero Sellers se tomó la sugerencia en otro sentido, casándose de inmediato con la actriz Britt Ekland, su segunda esposa, a la cual hizo ferozmente desgraciada.
Experto en desdoblarse
Desde su debut en la pantalla grande con “Penny points to Paradise” (1951), Sellers intervino regularmente en películas, con papeles secundarios que aprovechaban su capacidad para las payasadas y las caracterizaciones extremas. Pero, por mucho que títulos como “El quinteto de la muerte” (1955, su primer rol importante) o “El pequeño gigante” (1958) lo mostrasen en plenitud de facultades, el primer filme que aprovechó del todo su talento fue “Un golpe de gracia” (1959), cinta en la que se hizo cargo de los tres papeles protagonistas, uno de ellos femenino.
El factor Kubrick
Sobre el talento interpretativo de Peter Sellers pueden decirse muchas cosas, pero hay una que es
fundamental: fue el único actor al que Stanley Kubrick permitía improvisar en sus películas. El genio del Bronx se quedó pasmado con el trabajo de Peter en “La batalla de los sexos” (1959), y acudió a él para dar vida a Clare Quilty, el personaje más deleznable de “Lolita”. Tras su trabajo en el escandaloso filme, Sellers y Kubrick emprendieron una labor aún más extenuante en “Dr. Strangelove”, cinta en la que Sellers debía haber interpretado cinco papeles, pero en la que finalmente se hizo cargo de ‘sólo’ tres debido a un accidente en el rodaje.
La conexión Beatles
Siendo la voz su principal instrumento de trabajo, era normal que Sellers fuese uno de los primeros comediantes en grabar discos con sus actuaciones. Y no sólo discos: en 1961, una canción cantada a dúo con Sofía Loren se convirtió en un hit en el Reino Unido. Todo esto tuvo una consecuencia inesperada, porque Sellers solía trabajar con un productor discográfico llamado George Martin, más conocido por supervisar las grabaciones de cierto cuarteto de Liverpool. Tras conocer a George Harrison y Ringo Starr, con quien acabaría compartiendo plató en “Si quieres ser millonario, no malgastes el tiempo trabajando” (1969), el actor rindió homenaje a sus nuevos amigos grabando una versión burlesca de la canción “A hard day’s night” en 1965. Y, dice la leyenda, los Beatles confiaban tanto en su oído musical que él fue el primero en escuchar las maquetas del “Álbum Blanco”.
Cierto detective francés…
Puede que Blake Edwards no pudiera ganarse a Sellers sobornando a su astrólogo, pero finalmente consiguió ficharle para que participase en una comedia de robos y enredo titulada “La pantera rosa” (1964). Pese a hallarse a cargo de un papel secundario, Peter se tomó tan en serio la construcción de su personaje que este acabó siendo el mayor atractivo de la película: había nacido el mito del inspector Clouseau. Aunque Edwards y el actor se llevaron cada vez peor (hasta el punto de comunicarse sólo por escrito), prolongaron la saga a lo largo de otras cinco películas, con la notable excepción de “El rey del peligro” (1968), en la cual Sellers fue reemplazado por Alan Arkin.
¿La familia? Mal, gracias
Pese a ser un sujeto, en general, insoportable, Peter Sellers tuvo una gran reputación como seductor durante su vida. Además de cuatro matrimonios (con Anne Howe, Britt Ekland, Miranda Quarry y Lynne Frederick), cada uno de ellos más tormentoso y trágico que el anterior, se puede mencionar un fugaz encuentro con Liza Minnelli y un presunto vínculo con Sofia Loren, que la diva italiana desmintió tajantemente. En cuanto a la relación con sus tres hijos, mejor no entrar en muchos detalles: la autoestima de Peter era tan baja que llegó al extremo de desheredar a sus tres vástagos cuando la menor (Victoria, de quince años por entonces) tuvo la osadía de llamarlo “gordo” durante el rodaje de “Desde el jardín”.
Woody y Welles, archienemigos
Suponemos que, cuando conoció a Woody Allen en el rodaje de “¿Qué tal, Pussycat?” (1965), Sellers debió experimentar un considerable ataque de nervios: por primera vez en toda su carrera, tenía que enfrentarse a alguien tanto o más gracioso que él mismo. Sellers emprendió desde entonces una auténtica guerra psicológica contra el genio de Manhattan, quien (para colmo) también ejercía como guionista del filme. En “Casino Royale” (1969), Sellers y Allen volvieron a encontrarse. Pero, en dicho filme, Peter chocó con un rival de su tamaño: nada menos que Orson Welles. El autor de “Ciudadano Kane” y el británico se llevaron mal desde el principio, y su relación complicó de tal manera un rodaje ya de por sí caótico que Sellers fue despedido antes de su conclusión.
Volver al primer plano
“Yo no existo: estoy vacío. Me extirparon el ego quirúrgicamente”, confesó Sellers durante su
intervención en “The Muppet Show” (1979). Y, si nos atenemos a los testimonios, aquello estaba muy cerca de la verdad. Tal vez por eso, un Sellers ya muy enfermo puso todo su empeño en adaptar “Desde el jardín”, la novela de Joseph Kosinski. Gracias a su interpretación de un jardinero autista, Sellers consiguió que la crítica volviera a elogiar su trabajo tras una década de vacas flacas, y se llevó la tercera de sus (infructuosas) nominaciones al Oscar. Lástima que, al año siguiente, “El diabólico plan del doctor Fu Manchú” recibiera unas críticas desastrosas.
La gran broma funeraria
Decir que Peter Sellers pasó sus últimas dos décadas coqueteando con la muerte sería inexacto: más bien, la buscó sin parar, tanto a través de un consumo de drogas desaforado como de un agobiante ritmo de trabajo. Estamos hablando de un recordman de los infartos que llegó a sufrir trece ataques al corazón seguidos durante la realización de “¡Bésame, tonto!” en 1964, algo que le llevó a abandonar el rodaje y a afirmar, desde entonces, que había visitado el ‘Más Allá’ personalmente. Cuando su decimoquinta crisis cardíaca le hizo abandonar este mundo en 1980, el actor destinó a sus deudos una última broma pesada: durante el funeral no paró de sonar “In the mood”, de Glenn Miller, la canción que Sellers más detestaba.
Hoy cumple 82 años el director, productor, guionista y actor
Roman Polanski, uno de los grandes
exponentes de cine. Partiendo de una infancia castigada por los males de la
Segunda Guerra Mundial (su madre murió en el campo de concentración de Auschwitz),
el artista tuvo una vida personal marcada por la tragedia (su mujer, Sharon
Tate, fue una de las víctimas del clan liderado por Charles Manson) y los escándalos (fue acusado de abuso sexual a menores).
En 1962, luego de adquirir experiencia en programas radiales, obras teatrales y
algunos filmes, Polanski rodó su primer largometraje: “El cuchillo en el agua”,
por el que lo nominaron a un premio Oscar. Dos años después filmó “Repulsión”,
película de temática psicológica al igual que “Callejón sin salida” (1966). Su
siguiente obra fue una burla al cine de terror, “La danza de los vampiros”
(1967). Con todo el prestigio ganado en estas cintas, el director obtuvo el
crédito para desembarcar en Hollywood, donde realizó la emblemática “El bebé de
Rosemary” (1968).
De la mano de “Chinatown” (1973), Polanski confirmaría sus virtudes de gran
director. Sin embargo, luego de “El inquilino” (1976) y “Tess” (1979), vendría
una época de transición en sus realizaciones, para luego retomar, ya instalado en
Europa, con "Frenético"(1988), filme de suspenso a lo Hitchcock, y
"Luna de hiel"(1992), thriller que abordaba las relaciones de pareja.
Desde mediados de los ‘90 para acá, su filmografía incluyó casi una decena de
títulos, algunos de los cuales recibieron muy buenas críticas. Entre sus
producciones más “recientes” se hallan “La novena puerta”, “El pianista”, “Oliver
Twist”, “El escritor fantasma” y “Un dios salvaje”.
Polanski x 5
1- “Repulsión” (1965): Carol Ledoux es una bella y reprimida
joven belga que vive con su hermana Helen en un apartamento de Londres. Carol
experimenta sentimientos simultáneos y contradictorios de atracción y repulsión
hacia los hombres; por eso para ella resulta tan incómoda la relación que mantiene
su hermana con un hombre casado. Cuando la pareja se marcha de vacaciones,
Carol comienza a tener alucinaciones y su mente se desquicia.
2- “La danza de los vampiros” (1967): El doctor Abronsius y
su ayudante Alfred viajan a Transilvania para investigar la existencia de
vampiros en aquella región. Y aunque en primer lugar parece que los mismos no
logran encontrar lo que buscan, la llegada a un bar -rodeado de ristras de ajo-
y la desaparición de la hija del posadero hará que algunas dudas y pistas salgan
al aire para que este interesante dúo haga su trabajo.
3- “El bebé de Rosemary” (1968): Los Woodhouse, un
matrimonio neoyorquino, se mudan a un edificio situado frente a Central Park,
sobre el cual, según un amigo, pesa una maldición. Una vez instalados, se hacen
amigos de Minnie y Roman Castevet, unos vecinos que los colman de atenciones.
Ante la perspectiva de un buen futuro, los Woodhouse deciden tener un hijo;
pero, cuando Rosemary se queda embarazada, lo único que recuerda es haber hecho
el amor con una extraña criatura que le ha dejado el cuerpo lleno de marcas.
Con el paso del tiempo, Rosemary empieza a sospechar que su embarazo no es
normal.
4- “Chinatown” (1974): Los Ángeles, 1937. El detective
Gittes, especializado en divorcios, recibe la visita de la esposa de Mulwray,
el jefe del Servicio de Aguas de la ciudad, que sospecha que su marido la
engaña. Al mismo tiempo, Gittes descubre que los agricultores acusan a Mulwray
de corrupción por su negativa a construir un pantano que paliaría la sequía que
sufren. Poco después, el escándalo salta a la prensa, pero la cosa se complica
cuando una mujer se presenta en el despacho de Gittes con una sorprendente
revelación.
5- “El pianista” (2002): Wladyslaw Szpilman, un brillante
pianista polaco de origen judío, vive con su familia en el ghetto de Varsovia.
Cuando, en 1939, los alemanes invaden Polonia, consigue evitar la deportación
gracias a la ayuda de algunos amigos. Pero tendrá que vivir escondido y
completamente aislado durante mucho tiempo, y para sobrevivir tendrá que
afrontar constantes peligros.
Hijo de un comerciante, Alfred Joseph Hitchcock nació el 13 de agosto en 1899 en Londres. Su mayor pasión eran los libros de Charles Dickens y Edgar Allan Poe.
Debido a la muerte de su padre tuvo que abandonar el colegio a los 16 años para empezar a trabajar en una compañía telegráfica. Dio sus primeros pasos en el mundo del cine (mudo) en 1920, como dibujante de títulos. Ahí también empezó a trabajar como montador, director artístico y guionista. Al poco tiempo fue jefe de la sección en la productora norteamericana Famous-Players-Lasky, cuando en 1922, el director del film “Always tell your wife”, cae enfermo, Hitchcock termina su película. Ese mismo año inició el corto “Number Thirteen”, producida por él mismo, pero nunca la llegó a terminar. Su real debut de director lo hizo en 1925 con “The pleasure garden”, con la cual obtuvo un gran éxito de público, que le permitió seguir la carrera de realizador.
Poco después, dirigió la primera película de cine sonoro de Inglaterra: “La muchacha de Londres”, en 1929. Hitchcock empezó a dirigir películas con regularidad. Su éxito creció y decidió mudarse a Hollywood en 1940.
Participó en más de 60 películas, la mayoría como director, pero también fue guionista y productor, y además trabajó en televisión, con las famosas “Alfred Hitchcock presenta” y “La hora de Alfred Hitchcock”.
El 29 de abril de 1980, el célebre maestro del suspense falleció en su casa de Bel Air, Los Ángeles a los 80 años de edad.
Datos curiosos
No consiguió ningún Oscar al Mejor director, sin embargo, 16 de sus películas fueron nominadas 50 veces en total gracias a films como “Recuerda” (1945), “La ventana indiscreta” (1954) y “Psicosis” (1960).
Alfred Hitchcock era famoso por su costumbre de gastar bromas pesadas, especialmente con los actores.
Uno de sus sellos característicos fue su realización de cameos fugaces. Incluso en "Naufragos", donde parecía imposible su aparición, se las ingenió para retratarse en un recorte de periódico que contenía un anuncio de píldoras adelgazantes, mostrando dos fotos con sendos Hitchcocks: uno gordo y el otro delgado.
Hitchcock en 10 frases
# "Me asusto fácilmente. Aquí está una lista de lo que me hace producir adrenalina: 1) Los niños pequeños. 2) La policía. 3) Los lugares altos. 4) Que mi siguiente película no sea tan buena como la anterior".
# "Para mí, el cine son cuatrocientas butacas que llenar".
# "Filma tus asesinatos como si fueran escenas de amor, y filma tus escenas de amor como si fueran asesinatos".
# "Si hubiera hecho "Cenicienta" la gente hubiera buscado un cadáver en el coche de caballos".
# "Niego que alguna vez dije que los actores son ganado. Lo que dije fue que los actores deberían ser tratados como ganado".
# "Estoy seguro de que a cualquiera le gusta un buen crimen, siempre que no sea la víctima".
# "La televisión ha hecho mucho por la psiquiatría: no sólo ha difundido su existencia, sino que ha contribuido a hacerla necesaria".
# "Es una vergüenza salir por televisión, pero mi familia quiere comer".
# "Hasta que el marido no entiende absolutamente todas las palabras que su mujer no ha dicho, no estará realmente casado".
# “La venganza es dulce y no engorda”
Top 5 filmes
"Psicosis" ("Psycho", 1960)
"Vértigo" ("Vertigo", 1958)
"Con la muerte en los talones" ("North by northwest", 1959)
